🇰🇷🇫🇷 한불수교 140주년 기념 인터뷰 I 19. 재즈피아니스트 Mark Priore

아트렛 X 주한 프랑스대사관 문화과 🇰🇷🇫🇷한불 수교 140주년 기념 인터뷰📣 <2026 ARTLET Interview Series>"Behind the Jazz: French Voices" Q1. 안녕하세요! 이렇게 인터뷰에 응해주셔서 감사합니다. 먼저 새 앨범 <LUX DIVINA(2026)>의 발매를 진심으로 축하드립니다. 이번 앨범은 어떤 작품인지, 직접 소개를 부탁드려도 될까요? 안녕하세요. 이렇게 인터뷰할 시간을 마련해 주셔서 감사합니다. 정말 감동받았어요. 그리고 축하해 주신 것도 감사드립니다! 말씀하신 대로 <Lux Divina>는 오는 11월 6일에 발매됩니다. 이제 정말 얼마 남지 않았네요. 이번 앨범은 저에게 매우 특별한 작품입니다. 앨범은 총 13막으로 구성된 음악 모음곡(Musical Suite)이고, 하나의 이야기를 담고 있기 때문인데요. 바로 회복과 극복, 그리고 다시 일어서는 과정에 관한 이야기입니다. 앨범 전체를 통해 한 인물의 여정을 따라가게 되도록 구성했는데요. 누구나 그 인물에게서 자신의 모습을 발견할 수 있기를 바랬죠. 인생에서 가장 밑바닥에 떨어진 순간부터 이야기가 시작되고, 이후 그가 겪는 여러 사건과 모험을 따라가게 됩니다. 다만 그 모든 이야기가 음악을 통해 펼쳐진다는 점이 특별하지 않을까 싶어요. 저는 이 작품을 수년에 걸쳐 발전시켜 왔고, 더블베이스의 후안 비야로엘(Juan Villarroel), 드럼의 엘리 마르탱샤리에르(Elie Martin-Charrière)와 함께 트리오 편성으로 작업했어요. 오랜 시간 준비해 온 이 작품을 마침내 세상에 선보일 수 있게 되어 정말 기쁩니다. 아마 이어지는 질문들에서 이 앨범에 관해 더 자세히 이야기할 기회가 있을 것 같아요. Q2. 전작 <Initio(2023)>가 출발과 시작을 알렸다면, 이번 앨범은 13개의 막(13 acts)으로 이루어진 모음곡(Suite) 구조를 취하고 있잖아요. 앨범 전체를 하나의 서사적 흐름으로 설계하게 된 이유와 감상 팁이 궁금합니다. <Initio>는 모든 것의 첫걸음이었어요. 새로운 모험을 시작하겠다는 생각에서 출발한 작품이었죠. 당시에는 제가 어디로 향하게 될지조차 알지 못했던 것 같아요. 그저 앨범을 발매하고 활동을 시작하는 것, 바로 첫 출발점이라는 것 그 자체에 의미가 있었던 것 같습니다. 반면 이번 앨범은 하나의 모험이 되도록 구상하고 싶었어요. 그것도 꽤 독특하고 특별한 모험으로요. 돌이켜보면 <Initio>에도 이미 그런 요소들이 어느 정도 담겨 있었던 것 같습니다. 당시 저는 몬테베르디(Monteverdi)와 그의 오페라 오르페오(L'Orfeo)에 대한 오마주로 오르페와 에우리디체, 4막(Orphée et Eurydice, acte 4)이라는 곡을 썼죠. 이번 <Lux Divina>에서는 그때 사용했던 '막(Act)'이라는 구성 방식을 다시 가져왔고, 바로크 시대와 오페라의 전통을 연결하고자 했어요. 바로크 시대는 물론 그 이전과 이후에도 오랫동안 이어져 온 음악을 통해 이야기를 들려주는 방식을 다시 한번 구현해 보고 싶었죠. 제가 여러분들께 권하고 싶은 것은 이 앨범을 한 권의 책을 읽듯이 감상해 보시라는 것입니다. 책을 읽다가 어떤 장을 건너뛰어도 괜찮듯이, 이 앨범 역시 처음부터 끝까지 반드시 순서대로 들을 필요는 없습니다. 어떤 방식으로 감상해야 한다는 규칙도 없죠. 다만 한 가지 바람이 있다면, 조금 더 긴 시간을 기꺼이 내어주셨으면 해요. 앨범 전체가 한 시간 정도 되니까요. 무언가를 억지로 이해하거나 받아들이려 하기보다는, 그저 음악이 이끄는 대로 자연스럽게 몸과 마음을 맡겨보셨으면 좋겠습니다. 이 앨범은 삶에서 시련을 겪고 다시 일어서야 하는 사람들, 위로가 필요한 사람들, 혹은 누군가 곁에 있어 주기를 바라는 사람들에게 함께하는 동반자 같은 존재가 되었으면 하는 마음으로 만들었어요. 하지만 어떤 동반자든 지나치게 가까이 다가와 숨 막히게 하거나, 무언가를 강요한다면 좋은 동반자라고 할 수 없겠죠. 제가 이 음악을 통해 건네고 싶은 동행은 그런 것이 아니예요. 음악을 듣는 사람의 마음을 존중하며, 조용하고 다정하게 곁을 지켜주는 동행이죠. 그리고 이 앨범에는 단순히 하나의 이야기를 따라가는 것 이상의 메시지가 담겨 있을지도 모릅니다. 예를 들어 우리가 시련을 극복하고 다시 일어서는 과정에서 진정으로 중요한 것이 무엇인지에 관한 이야기 같은 것들 말이죠. 저에게 그 답은 바로 사랑이지 않을까 싶네요. Q3. 이번 앨범에서는 명징한 터치와 섬세한 여백의 미학이 돋보이는 것 같아요. 사운드 텍스처나 피아노 보이싱에서 특히 신경 쓴 부분이 있다면 무엇인가요? 제 음악에서 그런 부분을 느껴주셨다는 사실이 정말 감동이에요. 감사합니다. 말씀하신 대로 이번 앨범에서는 분위기와 공간감을 만들어내기 위해 많은 고민을 했어요. 거기에는 여러 이유가 있지만, 가장 중요한 이유는 하나였습니다. 회복과 극복의 이야기를 들려주면서, 청취자들이 자연스럽게 음악 속으로 들어올 수 있는 공간을 마련하고 싶었기 때문이죠. 그 과정에서 저는 바로크 음악에 깊은 관심을 갖게 되었어요. 오늘날 우리는 불과 7초 안에 무언가를 받아들이고 판단해야 하는 시대에 살고 있잖아요. 화면을 넘기고, 음악을 듣다가도 금세 다음 곡으로 넘어가죠. 동시에 수많은 정보가 쏟아지고, 우리는 끊임없이 자극에 노출되어 있어요. 하지만 이런 기술과 도구들이 존재하지 않았던 바로크 시대에는 사람들이 하나의 이야기를 들려주는 데 충분한 시간을 들였죠. 저는 바로크 음악의 본질이 긴 시간의 흐름을 다루는 예술이라고 생각해요. 불협화음을 활용하는 예술이자, 분위기를 만들어내는 예술이며, 시간이 흘러가는 과정 자체를 표현하는 예술이기도 하죠. 이번 앨범 역시 그런 접근 방식 안에 놓고 싶었습니다. 서두르지 않고 충분히 시간을 들이면서, 청취자가 스스로 음악 속으로 들어오기를 기다리는 것이죠. 개인적으로 저는 제 피아노 연주가 사람들에게 다가가 마음을 움직이고, 나아가 작은 위로까지 전할 수 있기를 바랍니다. 또 제가 추구하는 음악은 부드러우면서도 섬세하고 정확하며, 솔직하고 진실된 음악이에요. 동시에 공감할 수 있고, 복잡하지 않으며, 자연스럽게 다가갈 수 있는 그런 음악 말이죠. 그래서 저는 피아노를 연주할 때, 특히 녹음할 때 건반을 터치하는 방식과 그 섬세한 표현에 많은 신경을 씁니다. 이번 녹음은 마치 마법 같은 순간이었어요. 단 이틀 만에 모든 녹음이 이루어졌거든요. 제가 후안(Juan)과 엘리(Elie)에게 부탁한 것은 단 하나였습니다. 그저 자기 자신답게 연주해 달라는 것이었죠. 저는 최종 결과물을 제 의도대로 통제하려 하지 않았어요. 이 이야기 안에서 두 사람 각자의 목소리와 개성이 담겨지기를 바랐기 때문이죠. 사실 가장 많은 공을 들인 부분은 녹음 이전의 작곡 과정이었습니다. 작곡에 사용되는 음악적 요소들을 최대한 덜어내고 단순화하는 작업에 집중했어요. 두 사람이 가능한 한 자유롭게 음악을 해석하고 표현할 수 있도록 하기 위해서였죠. 그렇다고 제가 머릿속에서 상상했던 음악의 모습을 놓치고 싶지는 않았어요. 제가 듣고 있는 음악에 최대한 가까이 다가갈 수 있는 핵심 요소들은 그대로 유지하면서도, 후안과 엘리가 그 안에서 편안함을 느끼고 자신들의 음악으로 작품을 이끌어갈 수 있도록 만들고 싶었습니다. 그 과정은 저에게도 큰 즐거움이었습니다. 어떻게 보면 제가 만든 작품을 두 사람의 손길과 선택, 그리고 음악적 감수성을 통해 새롭게 발견하는 경험이었으니까요. 녹음 현장에서 제가 특별히 신경 쓴 것은 모두가 편안한 마음으로 연주할 수 있는 환경을 만드는 일이었습니다. 그리고 평소 친구로 지낼 때처럼 자연스럽게 서로 교감할 수 있기를 바랐어요. 저희는 이제 거의 10년을 함께한 친구들이거든요. 힘든 순간마다 서로에게 큰 힘이 되어주었고, 그동안 정말 많은 일을 함께 겪어왔죠. 그래서 저는 우리가 쌓아온 그 모든 시간과 관계가 자연스럽게 음악에도 스며들어 있다고 생각합니다. 마지막으로 보이싱(Voicing)에 관해서 말씀드리자면, 저는 무엇보다 바로크 시대의 화성과 대위법(Counterpoint)을 다시 탐구하고자 했습니다. 또한 긴 호흡으로 이어지는 음악적 흐름과 지속적으로 울리는 페달 포인트(Pedal Point)를 적극적으로 활용했죠. 이러한 요소들이 음악 안에 충분한 여백과 흐름을 만들어주고, 그 속에서 연주자들의 창의성이 자연스럽게 발휘될 수 있도록 하고 싶었습니다. Q4. 베이시스트 후안 비야로엘(Juan Villarroel), 드러머 엘리 마르탱-샤리에르(Elie Martin-Charrière)와는 <Initio> 때부터 호흡을 맞춰오고 있잖아요. 이번 신작 작업을 거치며 세 사람의 인터플레이나 음악적 신뢰에서 이전보다 더 발전했다고 느끼는 순간이 있었나요? Elie Martin-Charrière, Mark Priore, Juan Villarroel ©Mark Priore 네, 저 역시 저희가 어떤 경계를 넘어섰고, 이전과는 다른 새로운 무언가가 시작되었다는 느낌을 받았어요. 이번 음악은 단순히 바로크 음악에서만 영감을 받은 것은 아닙니다. 유럽 음악 전반은 물론, 다양한 리듬을 지닌 여러 음악적 전통에서 영향을 받은, 상당히 복합적이고 혼합적인 음악이라고 할 수 있죠. 저는 이를 통해 재즈를 표현하는 또 다른 방식을 찾고 싶었어요. 재즈는 제가 음악을 진정으로 이해하고 배워나갈 수 있게 해준 장르이기도 하니까요. 특히 리듬을 통해 재즈 안에서 제가 느끼는 자유로움을 이전과는 다른 방식으로 표현하고 싶었습니다. 이번 음악을 연주하면서 가장 어려웠던 부분은 쉼표와 리타르단도(Ritardando, 점점 느려지는 것), 아첼레란도(Accelerando, 점점 빨라지는 것)를 어떻게 하면 뻔하거나 예측 가능한 방식이 아닌, 자연스럽고 새로운 방식으로 표현할 수 있을까 하는 것이었어요. 또 무엇보다 중요한 것은 그 모든 과정이 즉흥적으로 이루어져야 한다는 점이었습니다. 저는 악보에 적힌 그대로 연주하는 것을 원하지 않았고, 모든 멤버가 정해진 틀에 얽매이지 않고 유연하게 변화하기를 바랐어요. 같은 리타르단도라도 매번 다른 방식으로 표현되기를 원했죠. 그리고 그 과정에서 서로의 연주에 귀를 기울이며 자연스럽게 따라갈 수 있을거라 생각했어요. 핵심은 저희 세 사람이 하나의 공통된 시간을 공유하면서도, 그 시간의 흐름 자체는 유연하게 변화할 수 있도록 하는 것이 아닌었나 싶습니다. 일반적으로 고정되어 있다고 여겨지는 리듬의 틀 안에서도 자유롭게 움직일 수 있는 여지를 만드는 것처럼요. 이것이 첫 번째로 중요하게 생각한 부분, 바로 멤버들 간의 리듬을 통한 상호작용입니다. 두 번째는, 적어도 무대 위에서 저희가 체감하는 바로는 가장 중요한 부분이라고 생각되는데요. 바로 다이내믹(Dynamics), 즉 소리의 강약과 표현의 폭에 대한 집중과 노력입니다. 제가 지향하는 이 트리오의 모습은 하나의 실내악 앙상블이에요. 예를 들어 현악 사중주가 음악을 다루는 방식을 떠올려 보시면 좋을 것 같은데요. 소리의 강약과 음색, 음악적 긴장감과 에너지의 정도를 조절하는 방식, 여러 성부 가운데 어떤 소리를 앞으로 드러내고 어떤 소리는 뒤로 물러나게 할 것인지 결정하는 방식 말이죠. 저는 우리 트리오 역시 그러한 실내악 앙상블의 표현 방식과 연주 수준에 도달하기 위해 노력하기를 바랐습니다. 사실 일반적으로 드럼이 포함된 편성에서는 아주 작고 섬세한 음량까지 표현하기가 쉽지 않아요. 하지만 지금은 저희가 그 방향에서 상당히 아름다운 성과를 이루었다고 생각합니다. 이전에는 갖지 못했던 새로운 음색, 폭넓은 다이내믹의 팔레트를 만들어가고 있기 때문이죠. 그리고 앞으로는 그 가능성을 더욱 확장할 수 있기를 바라고 있어요. 후안과 엘리, 그리고 저는 오랜 시간 동안 정말 많은 경험을 함께 나누었는데요. 그렇게 쌓아온 시간 덕분에 저희의 음악은 더욱 뚜렷한 개성과 풍부한 깊이를 갖게 되었고, 서로를 향한 신뢰 역시 한층 단단해진 것 같아요. 사실 이건 쉽게 얻을 수 없는, 저희만의 특별한 무언가가 아닌가 싶습니다. 그래서 저희는 이렇게 발견하고 만들어가고 있는 이 새로운 음악적 표현에 대해 정말 기쁘고, 큰 자부심을 느끼고 있어요. 이번 앨범에 깃든 이야기를 직접 듣고 나니, 작업에 담긴 음악적 세계가 더욱 깊이 있게 다가오는 것 같습니다 :)이번에는 최근 작품에서 잠시 벗어나 음악을 처음 시작했던 순간부터 현재까지, 당신의 음악 세계가 어떻게 형성되어 왔는지 좀 더 깊이 들여다보고 싶습니다. 네, 좋습니다 :) Mark Priore ©Mark Priore Q5. 어린시절부터 클래식 피아노를 연주하기 시작했다고 알고 있어요. 여러 악기 중에 피아노를 배우게 된 계기가 있을까요? 사실 솔직히 말씀드리면, 제가 음악을 선택한 것은 아니었습니다. 오히려 음악이 제게 주어진 것에 가까웠죠. 외할아버지께서는 의사이자 피아니스트셨는데, 동생과 제가 처음 피아노를 배울 수 있도록 레슨비를 지원해 주셨어요. 당시 저는 네다섯 살, 동생은 두세 살 정도였죠. 그렇게 아주 어린 나이에 피아노를 배우기 시작했습니다. 그때는 피아노를 배우는 것에 대해 특별히 제 생각이나 의지가 있었던 것도 아니었고, 그저 부모님이 권하시는 대로 따랐을 뿐이었어요. 그리고 열 살 무렵에는 피아노를 그만두고 싶었습니다. 음악을 통해 제 자신을 표현할 수 없다고 느꼈죠. 그저 부모님을 기쁘게 해드리기 위해 연주하고 있었고, 그 과정이 힘들기만 할 뿐 아무런 즐거움도 느끼지 못했어요. 하지만 제게는 도미니크(Dominique)라는 훌륭한 선생님이 계셨고, 그분은 제게 음악 그 이상의 것을 가르쳐 주신 분이었죠. 제가 피아노를 그만두고 싶어 한다는 사실을 알게 되셨을 때, 선생님은 이렇게 말씀하셨습니다. “물론이지, 그만둬도 괜찮아. 다만 이 두 장의 앨범만은 꼭 한번 들어봤으면 좋겠구나.” 한 장은 오스카 피터슨(Oscar Peterson)의 앨범이었고, 다른 한 장은 허비 행콕(Herbie Hancock)의 앨범이었습니다. 그리고 그 음악을 들은 순간, 제 안에서 무언가가 달라졌어요. 왜 그런지는 제 자신도 설명할 수 없었지만요. 그 후 저는 조금씩 그때 들었던 음악을 피아노로 따라 연주하기 시작했습니다. 특별히 마음먹고 연습한 것도 아니었어요. 그저 집에 피아노가 있으니 지나가다가 한 번씩 건반을 눌러보는 식이었죠. 그러다 점점 더 자주 피아노 앞에 앉게 되었고, 이것저것 새로운 시도를 해보면서 자연스럽게 작곡도 시작했습니다. 재즈는 제게 자유로움과 창작의 기쁨을 느끼게 해줬어요. 마치 아무것도 그려지지 않은 하얀 캔버스를 마주한 것 같았죠. 그제야 비로소 제 안에 있는 것들을 자유롭게 표현할 수 있다는 느낌을 받았습니다. 이후로는 피아노 없이 지내는 것이 불가능할 정도였어요. 거의 중독에 가까웠다고 할까요. (웃음) 피아노 레슨은 그만두었지만, 오히려 하루의 대부분을 피아노 앞에서 보냈습니다. 나중에는 우연히도 이웃에 살고 있던 알피오 오릴리오(Alfio Origlio)에게 재즈를 배우기도 했죠. 그러니 제 음악적 여정은 조금 독특하다고 할 수도 있을 것 같아요. 정식 레슨을 그만둔 뒤, 독학으로 음악을 계속 탐구해 나간 셈이니까요. 제가 피아노에 매료된 이유, 혹은 적어도 피아노를 계속 연주하게 만든 이유는 피아노 한 대로 오케스트라 전체를 느낄 수 있고, 그 안에서 수많은 세계가 펼쳐지는 것을 경험할 수 있었기 때문이에요. 꿈같은 세계, 환상적인 세계, 낭만적인 세계까지. 피아노를 연주할 때면 저는 그 안에서 마치 하나의 이야기를 직접 살아가는 듯한 느낌을 받았죠. 앞서 질문해 주신 내용과도 연결되는 이야기인데, 결국 제가 음악에서 가장 매력을 느끼는 것은 바로 '이야기'입니다. 여기에 한 가지 이야기를 더하고 싶은데요. 앞서 말씀드린 피아노 선생님은 제 인생에서 정말 중요한 분이셨어요. 레슨을 그만둔 뒤에도 선생님과 꾸준히 만나고 연락하며 인연을 이어왔죠. 그런데 몇 달 전, 선생님께서 사고를 당해 병원에 입원하시게 되었습니다. 선생님은 제가 <Lux Divina>를 작업하고 있다는 사실을 알고 계셨고, 저는 앨범이 완성되면 꼭 들려드리겠다고 약속했어요. 다행히 그 약속을 지킬 수 있었고, 선생님은 제 두 앨범을 모두 들으셨죠. 그리고 얼마 지나지 않아, 저 먼 하늘 너머로 떠나셨습니다. 그래서 이번 앨범은 제게는 더욱 각별하고 개인적인 의미를 지닌 작품이기도 해요. 어쩌면 저는 이 음악을 통해, 제게 피아노를 가르쳐 주셨던 선생님이 다음 세상으로 향하시는 마지막 여정에 함께할 수 있었던 게 아닌가 싶기도 합니다. 지금도 그 일을 떠올리면 마음이 벅차오르곤 하죠. Q6. 그렇군요. 그럼 처음에 클래식 음악을 공부하다가 재즈로 전향하게 된 특별한 계기가 있었을까요? 네, 앞서 말씀드린 이야기 외에도 제게 깊은 감동으로 남아 있는 특별한 경험이 하나 있어요. 저는 열 살이나 열한 살 무렵 음악을 그만둔 상태였어요. 당시에는 감정적으로도 혼란스러웠고, 여러모로 제 자신을 찾아가는 시기를 보내고 있었죠. 어느 날 가족들과 함께 식사하던 자리에서 사촌이 제게 피아노 반주를 부탁했습니다. 사촌은 기타를 조금 칠 줄 알았는데 (사실 코드 몇 개를 아는 정도였어요), 마침 그 자리에 피아노가 있었던 거죠. 저는 무척 긴장했고, 두려운 마음에 못 하겠다고 했어요. 하지만 사촌은 계속 권했습니다. “괜찮아, 한번 해봐. 그냥 해보는 거야.” 결국 저는 피아노 앞에 앉았어요. 사촌이 어떤 곡을 연주하고 있는지 전혀 알지 못했지만, 일단 귀를 기울이며 이해하려고 노력했고 조심스럽게 몇 개의 음을 연주해 보았습니다. 그런데 사촌의 연주를 이해하려고 애쓰고, 그와 함께 음악을 만들어가려 했던 바로 그 경험이 제 인생의 모든 것을 바꿔놓았어요. 그 순간 저는 깨달았어요. 지금까지도 제 마음을 움직이고, 제게 무엇보다 소중하게 남아 있는 것이죠. 바로 '공감하는 마음', '타인과 관계를 맺는 것', 그리고 '서로 소통하고 교감하는 것'의 의미였습니다. 저는 그때 처음으로 음악 안에서 그런 감정을 느꼈던 것 같아요. 특히 정해진 악보 없이 즉흥적으로 함께 연주했기에 그 경험은 더욱 특별하게 다가왔습니다. 그 순간 제 안에서 작은 씨앗 하나가 싹을 틔운 셈이었죠. 집으로 돌아온 저는 예전에 피아노 선생님께서 주셨던 앨범들을 다시 꺼내 들었었어요. 그리고 그 음악들을 이전보다 훨씬 깊이 파고들기 시작했죠. 그렇게 저는 재즈의 세계에 완전히 빠져들게 되었습니다. Q7. 그럼 점점 재즈 음악에 빠져들게 되면서 자주 감상했던 음악 또는 연주자가 있을까요? Jazz Pianists_ Herbie Hancock, Oscar Peterson, Eroll Garner, Keith Jarrett 네! 말하자면 특정 곡들에 완전히 빠져서, 같은 음악을 몇 번이고 반복해서 듣곤 했어요. 특히 허비 행콕(Herbie Hancock)의 솔로 피아노곡인 'Manhattan(Island of Lights and Love)'을 정말 많이 들었어요. 그리고 오스카 피터슨(Oscar Peterson)의 앨범 중에는 처음부터 끝까지 닳도록 들었던 작품이 하나 있습니다. 바로 솔로 피아노 앨범인 <Tracks>인데요. 지금까지도 늘 곁에 두고 즐겨 듣는 앨범이죠. 빌 에반스(Biill Evans)의 음악도 많이 들었습니다. 라이브 앨범을 비롯해 여러 작품을 즐겨 들었는데, 그중에서도 <You Must Believe in Spring>은 당시 제가 가장 아끼던 앨범 중 하나였어요. 또 마일스 데이비스(Miles Davis)의 컴필레이션 앨범도 자주 들었고요. 하지만 제게 가장 강렬한 영향을 준 피아니스트는 따로 있었습니다. 조금 더 시간이 흐른 뒤에 만난 에롤 가너(Erroll Garner)였죠. 한동안 그의 음악을 끊임없이 반복해서 들었어요. 그의 연주에는 저를 단숨에 사로잡는 무언가가 있었어요. 완전히 매료되었다고 할까요. 한편, 피아노와 재즈를 직접 배우고 익히려는 입장에서, 그러니까 좀 더 연주 기법과 음악적 표현을 탐구하는 관점에서 저를 사로잡았던 피아니스트는 키스 자렛(Keith Jarrett)이었습니다. 특히 1991년 도쿄에서 촬영된 그의 공연 영상에 깊은 인상을 받았는데요. 그 공연에서 연주한 'Autumn Leaves'는 제가 생각하기에 역대 최고의 피아노 솔로 중 하나이지 않나 싶습니다. 제게 그 연주는 일종의 보물과도 같은 존재죠. 언제든 돌아가 참고할 수 있는 기준이자, 제가 생각하는 이상적인 연주의 본보기라고 할 수 있어요. 최근에도 그 연주를 다시 찾아 들었는데, 여전히 멋지고 큰 감동이 느껴지더라고요. 키스 자렛은 지금도 제게 전설적인 존재로 남아 있습니다. 그래도 돌이켜보면, 제가 처음 재즈의 세계에 발을 들이게 된 것은 결국 오스카 피터슨과 허비 행콕의 음악을 통해서였어요. 오스카 피터슨과 허비 행콕으로 시작해 에롤 가너를 거쳐, 키스 자렛의 음악에 닿기까지의 여정이 한 편의 이야기처럼 그려지는 것 같아요. 특히 1991년 도쿄에서의 키스 자렛 연주를 여전히 보물처럼 간직하고 계신다는 점이 깊이 와닿습니다. 이 인터뷰를 함께하시는 분들도 말씀해 주신 연주와 앨범들을 꼭 한 번 찾아 들어보시면 좋겠습니다. Q8. 이후 세계적인 음악교육기관인 파리국립고등음악원(CNSM)에서 공부한 것으로 알려져 있는데요. 여러 교육기관 중에 CNSM을 선택한 이유가 있을까요? 어린 시절, 열한두 살 무렵만 해도 재즈 음악가들의 라이브 공연을 보러 갈 때마다 저는 결코 음악가가 될 수 없을 거라고 생각했어요. 음악원에서 정식 교육을 받은 적도 없었고, 체계적인 음악 교육을 거친 것도 아니었으니까요. 무대 위에서 연주하는 음악가들을 보면 누구는 어느 음악원을 졸업했고, 또 누구는 다른 유명 음악원 출신이라는 이야기를 듣곤 했습니다. 그럴 때마다 '이건 나와는 다른 세계의 이야기구나'라고 생각했죠. 그러다 열여섯, 열일곱 살 무렵, 알피오(Alfio)가 부모님을 설득해 제가 학교를 그만두고 음악에 전념할 수 있도록 도와주었습니다. 그래서 저는 프랑스에서 대학에 진학하기 위해 필요한 학력 자격인 바칼로레아(Baccalauréat)를 취득하지 못했어요. 알피오의 조언에 따라 그 시험을 치르기 전에 학교를 그만두고 음악에만 전념하기로 했기 때문이죠. 그렇게 저는 완전히 새로운 세계에 정신없이 뛰어들게 되었습니다. 이후에도 저는 알피오의 조언을 따랐고, 저를 자신의 반에 받아주신 리옹 음악원 선생님의 조언에도 귀를 기울였습니다. 두 분 모두 제가 음악을 직업으로 삼을 수 있도록 도전해 보라고 격려해 주셨죠. 당시 프랑스에서 재즈를 진지하게 공부하고 싶다면 다음 단계는 당연히 CNSM(프랑스 국립고등음악원)이라는 이야기를 누구나 했어요. 그래서 저도 입학시험에 도전하게 되었죠. 그리고 실제로 CNSM에 합격했을 때, 저는 속으로 이렇게 생각했습니다. '이럴 수가! 이제 나도 음악원에 다니는 사람들 중 하나가 된 거잖아!'하고요. 처음에는 도무지 믿기지 않어요. 제가 왜 이곳에 있는지, 정말 이 자리에 있어도 되는 사람인지 스스로도 잘 이해되지 않았죠. 하지만 저만큼이나 음악에 열정적인 동료들을 만나고, 그곳에서 펼쳐지는 다채로운 음악적 활동과 가능성을 접하면서 그런 생각은 빠르게 달라졌습니다. 점차 저 역시 이곳에 속한 사람이라는 느낌을 받기 시작했죠. 사실 저는 독학으로 음악을 배워온 조금은 독특한 이력 때문에 늘 어느 정도 가면 증후군(Impostor Syndrome) 같은 감정을 가지고 있었어요. 제 실력이나 성취를 온전히 인정하지 못하고, 어쩌면 제가 이 자리에 어울리지 않는 사람일지도 모른다고 느끼는 것이죠. 하지만 결국 가장 중요한 것은 음악 그 자체와 사람들 사이의 관계라는 사실을 깨달았습니다. 그리고 어느 순간부터는 저 역시 제가 있어야 할 곳에 와 있다는 확신을 갖게 되었죠. 돌이켜보면 제가 CNSM에 진학하게 된 것은 결국 인생에서 우연히 찾아온 기회들과 주변 음악가들이 건네준 조언 덕분이었습니다. Q9. 그렇다면 학교의 여러 커리큘럼 중 당신의 연주 세계를 구축하는 데 가장 도움이 되었던 과정이 있다면 어떤 과정인가요? 음.. 학교에서 제 음악 인생에 결정적인 영향을 준 몇몇 순간들이 있었어요. 먼저 음악원에서 피아노를 가르치셨던 에르베 셀랭(Hervé Sellin) 선생님과의 만남인데요. 선생님은 클래식 음악을 기반으로 탄탄한 음악적 배경을 갖춘 분이셨어요. 그분과 함께 공부하면서 저는 피아노를 처음 배우던 시절로 돌아가 클래식 연주 기법과 소리의 본질을 다시 탐구하게 되었고, 어떻게 하면 아름다운 소리를 만들어낼 수 있는지, 피아노의 구조와 작동 원리는 무엇인지 등을 체계적으로 배웠습니다. 그전까지 저는 대부분 독학으로 피아노를 익혀왔기 때문에 이런 교육을 제대로 받아본 적이 없었어요. 그 과정은 제 음악적 출발점으로 다시 돌아가 과거와 현재가 다시 연결되는 경험이었고, 동시에 피아노라는 악기에 대한 이해를 훨씬 더 깊고 넓게 확장하는 계기가 되었습니다. 특히 그곳에서 1910~1920년대에 발전한 재즈 피아노 주법인 스트라이드(Stride)를 공부했는데, 이 역시 제 음악 인생을 바꿔놓은 중요한 경험이었어요. 다음으로는 다른 음악가들과 함께 연주하는 법을 배운 것이었습니다. 리듬 섹션의 일원으로 연주하는 것은 물론, 재즈의 역사를 공부하고 마일스 데이비스(Miles Davis)의 전설적인 앨범이나 아마드 자말(Ahmad Jamal) 트리오의 음악이 지닌 특유의 느낌과 분위기를 어떻게 재현할 수 있는지 탐구하는 수업도 있었어요. 그렇게 재즈의 근간을 이루는 요소들을 하나하나 깊이 있게 공부했습니다. 특히 피아노와 관련된 거의 모든 부분을 폭넓게 다뤘죠. 마지막으로 빼놓을 수 없는 것이 바로 마스터클래스아닐까 싶은데요. 그곳에서 재즈 역사에 중요한 발자취를 남긴 음악가들을 직접 만날 수 있었죠. 그중에서도 제게 특히 강렬한 인상을 남긴 두 사람이 있습니다. 두 사람 모두 피아니스트였기에 더욱 특별하게 다가왔죠. 바로 아론 파크스(Aaron Parks)와 프레드 허쉬(Fred Hersch)입니다. 프레드 허쉬는 제게 있어 정말 중요한 음악가인데요. 그와의 만남 역시 CNSM이 제게 선물해 준 소중한 기회였죠. 이후 그에게 개인 레슨을 받기도 했고, 그 과정에서 단순한 스승과 제자의 관계를 넘어 더욱 깊은 음악적 교감을 나눌 수 있었습니다. 돌이켜보면, 저만의 음악적 목소리는 처음부터 제 안에 존재했던 것 같아요. 음악을 통해 이야기를 들려주고 싶다는 열망, 그리고 음악을 선택하고 받아들이는 방식에 담긴 저만의 취향과 감성 같은 것들이죠. 하지만 그 목소리를 더욱 단단하게 다듬고, 제 안의 음악 세계를 풍성하게 발전시킬 수 있었던 것은 CNSM에서 배우고 경험한 수많은 것들 덕분이라고 생각합니다. Q10. 한국에서도 많은 학생들이 CNSM 진학을 위해 준비하고 있는데요. 학생들에게 도움이 될 만한 조언을 한 마디 해주세요. 우선 CNSM에 도전하려는 여러분께 응원의 말씀을 전하고 싶습니다! 저 역시 그곳에서 보낸 시간이 무척 행복했고, 정말 좋은 경험으로 남아 있는데요. 세계 각국의 학생들, 특히 한국의 학생들이 파리로 건너와 음악원에서 공부하고 다른 음악가들과 교류하려 한다는 사실이 정말 멋지게 느껴지는 것 같아요. 제가 드리고 싶은 첫 번째 조언은 자기 자신을 믿고, 자신만의 모습을 잃지 말라는 것입니다. 어쩌면 조금 뻔한 이야기처럼 들릴 수도 있어요. 하지만 제게는 정말 결정적인 깨달음이었죠. 자세한 이야기를 모두 할 수는 없지만 예전에 저를 믿어주지 않았던 선생님이 한 분 계셨어요. 그분은 제가 아직 준비되지 않았다고 생각하셨고, 자격시험에 응시하는 것도 원하지 않으셨죠. 게다가 제게 CNSM에 지원하지 말라고 조언하셨습니다. 하지만 저는 결국 지원하기로 결심했고, 그때 선생님이 해주신 조언 역시 제가 나아가야 한다고 생각했던 방향과는 상당히 거리가 있었어요. 그래서 저는 제 자신을 믿기로 했습니다. '내가 진정으로 하고 싶은 음악을 하자. 내가 바라보는 음악의 세계를 보여주자. 나만의 음악적 개성과 지금의 내 모습을 있는 그대로 받아들이고, 그것을 심사위원들 앞에서 당당하게 보여주자.' 하고요.그리고 그분의 예상과는 달리, 저는 CNSM에 합격했죠. 제게는 단순한 입학시험 합격을 넘어, 스스로를 믿고 이뤄낸 개인적인 승리였다고 생각해요. 어릴 때는 주변의 말에 쉽게 영향을 받기 마련이에요. 더 나은 음악가가 되고 싶기 때문에 누군가의 조언을 최대한 따르려고 하죠. 물론 그런 자세는 성장하는 데 꼭 필요합니다. 하지만 우리가 듣는 모든 조언을 반드시 받아들여야 하는 것은 아닙니다. 특히 누군가가 아직 준비되지 않았다거나 실력이 부족하다고 말할 때는 더욱 그래요. 설령 그 말이 사실이라 하더라도, 저는 차라리 직접 부딪혀보라고 말하고 싶습니다. 시험에 도전했다가 떨어지는 한이 있더라도 말이죠. 실제로 저 역시 첫 번째 도전에서는 떨어졌고, 두 번째 시험에서야 합격했어요. 누군가가 실패할 거라고 말해서 아예 도전하지 않는 것보다는, 제 선택에 따라 도전하고 실패하는 편이 백번, 천번 낫다고 생각해요. 그 경험은 제게 정말 큰 교훈을 남겼고, 지금은 그런 시간을 겪을 수 있었다는 사실에 감사하고 있습니다. 두 번째로 말씀드리고 싶은 것은, 제가 생각하기에 파리 음악원, 특히 재즈학과에서는 단순히 연주 기술이 뛰어난 사람이나 다른 연주자를 뒷받침하는 세션 연주자보다는 자신만의 예술적 개성과 음악적 비전을 가진 사람을 찾는다는 점입니다. 작곡가나 편곡자처럼 자신만의 음악적 관점을 제시할 수 있는 사람들 말이죠. 따라서 입학시험에서도 자신만의 개성이 뚜렷할수록 더욱 흥미로운 음악가로 평가받을 수 있다고 생각합니다. 마지막으로 조금 더 실질적인 조언을 드리자면, 기본기를 확실하게 갖추는 것이 중요합니다. 피아노를 예로 들면, 다양한 보이싱(Voicing)을 충분히 익히고 재즈의 전통적인 연주 방식과 음악적 어법을 이해해야 해요. 리듬과 박자를 다루는 감각, 즉 타임 필(Time Feel)을 발전시키는 것도 중요하죠. 그리고 무엇보다 다른 연주자들과의 상호작용에 주의를 기울여야 합니다. 입학시험에서는 리듬 섹션과 함께 연주하게 되는데요. 그때 중요한 것은 단순히 자신이 준비한 연주를 잘 보여주는 것만이 아닙니다.자신만의 음악 세계를 제시하면서도, 함께 연주하는 음악가들과 자연스럽게 호흡하고 교감하며 음악적 유대감을 만들어낼 수 있어야 햐죠. 제가 경험한 바로는, CNSM이 찾는 음악가는 자신의 음악을 세상에 선보이고, 그 음악에 대한 확신을 가지고 발전시켜 나가려는 사람들인 것 같아요.단순히 음악을 능숙하게 연주하는 것을 넘어, 자신만의 방향성과 비전을 가지고 음악을 이끌어갈 수 있는 사람들 말이죠.그러니 제 조언을 한마디로 정리하자면 이렇습니다. “자기 자신을 믿고, 여러분만의 음악을 보여주세요!” Q11. 당신의 첫 트리오 앨범인 <Initio(2023)>에 대해 이야기 해보면 좋을 것 같은데요. 첫 앨범을 준비하게 된 계기가 있을까요? 제게 트리오는 마법과도 같은 특별한 편성이에요. 피아노라는 악기로 음악을 만들어가는 데 있어, 특히 재즈에서는 트리오가 가장 자유롭고 유연하면서도 창의적인 가능성을 마음껏 펼칠 수 있는 편성 중 하나가 아닐까 생각합니다. 그래서 트리오로 연주하고 싶다는 것은 제게 무척 자연스러운 선택이었어요. 저희 트리오 멤버인 후안(Juan)과 엘리(Elie)는 파리 음악원에서 처음 만났는데요. 음악적으로는 그야말로 첫눈에 반했다고 할 수 있을 만큼 서로에게 강하게 끌렸죠. 저는 평소에도 꾸준히 곡을 쓰고 있었기 때문에, 새롭게 작곡한 곡들을 두 사람과 함께 연주해 보고 싶었습니다. 그렇게 함께 연주하면서 무언가 새로운 것이 탄생했어요. 제가 작곡한 음악 그 자체를 넘어, 세 사람이 함께 만들어내는 독특한 사운드가 있었죠. 그 소리는 제 호기심을 자극했고, 그 가능성을 더욱 깊이 탐구해 보고 싶게 만들었습니다. 그리고 이 앨범을 통해 우리는 재즈 일레븐(Jazz Eleven)과 계약을 맺게 되었어요. 지오바니 미라바시(Giovanni Mirabassi)가 우리를 아티스트로 받아들이고, 이후의 활동을 함께하며 앨범 제작까지 맡아주셨죠. 저희에게는 정말 큰 영광이었습니다. 이 새로운 여정을 시작하면서, 저는 당시 제 음악을 객관적으로 바라보기에는 아직 경험과 거리가 부족할 수밖에 없다는 사실을 알게 되었어요. 그래서 이 앨범은 어떤 의미에서는 '그 순간의 우리 모습'을 사진으로 남기는 것과 같은 작업이었습니다. 모든 것을 완벽하게 통제하려 하기보다는 자연스러운 흐름에 맡기고, 첫 번째 발걸음을 내디딘 뒤 그것이 하나의 시작이라는 사실을 받아들이는 것이었죠. 그럼에도 제가 이 첫걸음에 확신을 가지고 나설 수 있었던 이유는, 저희 사이에서 싹트고 있던 음악적 가능성을 믿었기 때문이에요. 돌이켜보면 이 앨범을 통해 저희는 세 사람 사이의 음악적 호흡과 교감이 어떤 모습인지를 처음으로 구체화할 수 있었던 것 같습니다. 무대에서 함께 연주하며 느끼는 즐거움, 서로의 음악을 자연스럽게 이해하고 반응하는 호흡, 그리고 우리만의 음악적 유대감이 처음으로 뚜렷한 형태를 갖추기 시작한 것이죠. 물론 그 과정은 무척 즐거웠지만 다른 사람이 프로듀서로 참여해 제 앨범을 제작해 준 것은 처음이었기 때문에 솔직히 조금은 부담스럽고 긴장되기도 했어요. 그 직전에 솔로 피아노 앨범인 <The Many Facets of a Day(2023)>를 공동 프로듀싱한 경험은 있었지만 정식으로 레이블과 계약을 맺고, 어떤 의미에서는 완성도 있는 결과물을 내놓아야 한다는 기대를 받게 된 것은 이번이 처음이었죠. 그럼에도 정말 멋진 프로젝트였고, 저는 그 모든 과정을 진심으로 즐겼습니다. 그래서 이 앨범에는 젊음 특유의 패기와 열정이 가득 담겨 있어요. 2023년 5월에 녹음했으니 사실 그리 오래전 일도 아니지만요. 지금은 그 앨범을 다시 돌아보는 일이 무척 즐겁기도 해요. 물론 시간이 흐른 만큼 당시의 음악을 조금 더 비판적이고 객관적인 시선으로 바라보게 되기도 하지만 동시에 그 시절의 우리와 우리가 만들어낸 음악을 향한 깊은 애정과 따뜻한 마음도 함께 느끼고 있습니다. Q12. 그렇다면 이 앨범의 제목에는 어떤 개인적 의미가 담겨 있나요? 네, 이 제목에는 여러 가지 의미가 담겨 있는데요. 앞서 말씀드렸듯이 새로운 무언가의 시작을 의미하죠. 하지만 이 라틴어 단어에는 조금 더 깊은 뜻이 있어요. 단순히 무언가가 시작된다는 의미를 넘어, 새로운 여정의 출발점이자 앞으로 나아갈 방향을 뜻하기도 합니다. 제게 'Initio'는 여러 의미에서 출발점이었습니다. 레이블의 신뢰를 얻어 새로운 음악적 여정을 시작한 순간이자, 저희 세 사람이 트리오로서 함께하는 여정의 시작이었고, 동시에 저희만의 음악적 색깔과 미학을 찾아가는 첫걸음이기도 했어요. 그렇지만 무엇보다 중요한 것은, 당시에는 미처 알지 못했지만 이 앨범이 제 인생에서 새로운 여정의 시작이기도 했다는 사실이에요. 조금 더 개인적인 이야기이기도 하죠. 이 앨범을 발표한 이후, 저는 제 삶에 깊은 흔적을 남길 만큼 강렬하고도 특별한 경험들을 겪었습니다. 그래서 지금 돌이켜보면, ‘Initio’라는 제목은 처음 붙였을 때보다 제게 훨씬 더 깊고 특별한 의미로 다가오는 것 같아요. Q13. 연주자들의 첫 트리오 앨범들을 보면 보통 오리지널곡과 함께 스탠다드도 조금씩 섞어서 구성하곤 하는데, 이 앨범에서는 전곡 오리지널 구성을 선택했어요. 특별한 이유가 있을까요? Orphée & Eurydice (acte IV) - Mark Priore 사실 두 가지 이유에서 의도적으로 내린 선택이었어요. 첫 번째는 현실적인 이유였죠. <Initio>에 수록할 곡들을 선정하기 전, 저희에게는 이미 40곡, 어쩌면 50곡에 가까운 자작곡이 있었어요. 그중에서 단 11곡을 추리는 것만으로도 상당히 어려운 작업이었죠. 두 번째는 음악적인 방향에 관한 의도적인 선택이었다고 볼 수 있어요. 저는 기존의 재즈 스탠더드 전통에 맞춰, 누가 들어도 재즈 앨범이라고 명확하게 규정할 수 있는 작품을 만들고 싶지는 않았거든요. 오히려 어떤 장르나 형식으로 쉽게 규정할 수 없는, 어쩌면 앞으로 그 정체성을 찾아가야 할 음악을 선보이고 싶었어요. 하나의 이야기를 따라가는 모음곡이라기보다는, 여러 자작곡이 모여 하나의 독자적인 음악 세계를 이루는 작품을 구상했던 것이죠. 특정한 주제에 집중하고자 했던 <Lux Divina>와 달리, <Initio>는 훨씬 다채롭고 여러 방향으로 뻗어 나갈 수 있도록 하고싶었어요. 음악적 영향과 영감의 원천 역시 훨씬 다양하고요. <Initio>는 그런 의미에서 저만의 음악 세계를 있는 그대로 드러내고, 그것을 당당하게 제 것으로 받아들이는 용기에 관한 작품이기도 했습니다. 익숙한 재즈 스탠더드에 기대어 안전한 길을 찾기보다는, 저희가 만들어낸 음악만으로 하나의 세계를 보여주고 싶었던 것이죠. 그렇다고 제가 재즈 스탠더드를 좋아하지 않는다는 뜻은 아니예요. 오히려 정말 좋아합니다! 저는 특정한 음악적 접근 방식이나 주제를 깊이 탐구하는 작업도 좋아하기 때문에, 언젠가는 스탠더드 곡들로만 구성된 앨범을 만들어볼 가능성도 충분히 열어두고 있어요. Q14. 이 앨범은 아트워크 또한 무척 인상적인데요. 어떤 메시지나 분위기를 담아내고자 하셨는지 궁금합니다. 앨범 커버에는 분명한 의도와 의미가 담겨 있어요. 커버에 사용된 이미지는 나무를 가로로 잘랐을 때 드러나는 단면을 찍어낸 것인데요. 그 안에는 나무의 나이테가 선명하게 나타나 있죠. 나이테를 자세히 들여다보면 다양한 형태와 무늬를 발견할 수 있습니다. 마치 나무가 자라온 순간순간을 사진으로 기록해, 나무 자체에 새겨놓은 것처럼 느껴지죠. 제 할아버지와 아버지는 모두 가구를 만드는 목공 장인이셨습니다. 그래서 저는 어린 시절부터 늘 나무와 가까이 지내며 자랐어요. 하지만 나무는 제게 단순히 익숙한 소재 이상의 의미를 가지고 있어요. 나무가 가진 상징성 자체가 언제나 제 마음을 깊이 움직여 왔기 때문이죠. 저희 가족은 다섯 형제자매로 이루어졌는데요. 저는 오래전부터 우리 가족의 모습을 한 그루의 나무에 빗대어 생각하곤 했어요. 빛을 향해 뻗어 나가는 가지와 잎, 그리고 땅속 깊이 뿌리를 내리며 단단히 자리를 잡으려는 나무의 모습 말이죠. 새로운 여정의 시작을 알리는 앨범에 이보다 더 잘 어울리는 이미지가 있을까 싶었습니다. <Initio>라는 제목과 끊임없이 성장하는 나무의 이미지는 제게 무척 자연스럽게 이어지는 것 같았죠. 여기에 어린 시절부터 나무와 함께해 온 개인적인 기억까지 더해지면서, 그 이미지는 더욱 특별한 의미로 다가왔던 것 같아요. 또 저는 <Initio>를 작업할 당시부터 바로크 음악과의 연결고리를 조금씩 만들어가고자 했어요. 제게 바로크 음악의 세계는 자연스럽게 나무라는 소재를 떠올리게 하더라고요. 하프시코드와 비올라 다 감바(Viola da Gamba)처럼 당시 사용되던 악기들은 대부분 나무로 만들어졌으니까요. 그리고 이러한 특징은 재즈 트리오에서도 찾아볼 수 있어요. 더블베이스와 피아노, 그리고 드럼의 몸통인 쉘(Shell) 역시 나무를 주요 소재로 사용하죠. 저는 이처럼 나무라는 하나의 소재를 통해 제 개인적인 역사와 가족의 이야기, 바로크 음악의 전통, 그리고 재즈 트리오의 음악적 세계를 연결하고 싶었습니다. 그런 의미에서 <Initio>의 앨범 커버는 여러 상징과 의미를 담아 세심하게 구상한 작품이라고 할 수 있을 것 같아요. Q15. 앞서 잠시 이야기를 들려주셨지만, 이번 앨범을 함께 완성한 연주자들과의 첫 만남도 궁금합니다. 어떤 인연으로 함께하게 되셨는지, 그리고 작업 과정에서 가장 기억에 남는 순간이나 에피소드가 있다면 소개해 주세요! 먼저 엘리(Elie)와의 인연부터 말씀드릴게요. 저희가 함께 리허설을 시작하고 CNSM에서 다시 만나기 훨씬 전, 사실 이미 한 번 마주친 적이 있었어요. 열일곱 살 때, 리옹에서 열린 한 음악 경연대회에서 처음 만났죠. 당시 저는 제 밴드와 함께 출전했고, 엘리는 경쟁 팀이었던 로빈슨 쿠리(Robinson Khoury)의 밴드에서 객원 드러머로 연주하고 있었습니다. 참고로 로빈슨은 2년 뒤 제 룸메이트가 되기도 했어요. 그날 엘리의 연주는 제게 정말 강렬한 인상을 남겼습니다. 믿기 어려울 만큼 훌륭한 연주였거든요. 당시에는 서로 인사를 나누거나 이야기를 해본 적조차 없었지만, 저는 속으로 이런 생각을 했습니다.'언젠가 꼭 저 친구와 함께 연주해 보고 싶다. 저 친구가 내 밴드에서 드럼을 연주해 준다면 얼마나 좋을까.'하고요. 그리고 5년, 6년, 7년이라는 시간이 흐른 뒤, 놀랍게도 그 바람이 현실이 되었어요. 오래전 마음속으로만 품었던 생각이 실제로 이루어졌다는 사실이 정말 아름답고 감격스럽게 느껴졌어요. 반면 후안(Juan)과의 인연은 조금 달랐습니다. 후안과 저는 시간을 두고 서서히 서로를 알아갔어요. 특히 음악원에서 여러 워크숍에 함께 참여하면서 자연스럽게 가까워졌죠. 그런데 처음부터 제 기억에서 지워지지 않는 것이 하나 있었습니다. 바로 후안만의 독특한 사운드와 음악의 흐름에 반응하는 방식이었어요. 다른 연주자들이 만들어내는 음악을 받아들이고, 거기에 자신만의 방식으로 응답하며 음악을 이어가는 그의 연주가 무척 인상적이었죠. 2020년 코로나19 봉쇄 기간에는 파리 외곽의 르 프레생제르베(Le Pré-Saint-Gervais)에 있는 연습실에서 만나기 위해 방역 규정을 조금 어기기도 했습니다. 모두가 힘든 시기였지만, 우리는 어떻게든 함께 음악을 연주하고 싶은 마음이 컸어요. 지금 생각하면 조금 무모한 행동이었을지도 모르겠네요. 하지만 그렇게 어려운 상황에서도 함께 연주했던 그 순간, 후안과 제 사이에는 마법 같은 무언가가 만들어졌다고 생각해요. 그리고 그날의 기억은 이후 우리가 함께 음악을 이어가는 데 큰 원동력이 되었습니다. 아! 그리고 후안에 관해서는 재미있는 일화가 하나 더 있어요. 아마 후안은 제가 이 이야기를 꺼내는 걸 별로 좋아하지 않을 것 같지만요! (웃음) 프랑스 남부의 주앙레팽(Juan-les-Pins)에서 열린 재즈 페스티벌에 참가했을 때의 일입니다. 당시 저희는 꽤 지쳐 있었어요. 전날 재즈 아 비엔느(Jazz à Vienne) 페스티벌에서 공연을 마친 뒤 먼 거리를 이동해야 했거든요. 사운드 체크를 마치고 모두 호텔로 돌아갔는데, 후안만은 달랐습니다. 그는 호텔 대신 해변으로 향했죠. 이후 그날 공연은 저녁 8시에 시작할 예정이었는데 7시 50분이 되어도 후안이 나타나지 않는 거예요. 초조해진 저는 7시 55분까지 후안에게 전화를 걸었는데 받지 않았죠. 결국 호텔 프런트에 연락해 그의 객실을 확인해 달라고 부탁했어요. 직원이 방으로 찾아가 문을 두드리고 나서야 후안이 잠에서 깨어났어요. 해변에서 호텔로 돌아온 후 그대로 잠들어 버렸던 거예요! 결국 저는 혼자 무대에 올라 솔로 피아노 연주로 공연을 시작해야 했어요. 그리고 잠시 뒤, 후안이 선글라스도 벗지 않은 채 무대로 뛰어 들어와 연주에 합류했습니다. (웃음) 알고보니 후안은 그날 일사병에 걸린 상태였어요. 해변에서 햇볕을 너무 오래 쬐었던 거죠. 물론 그 부분은 마냥 웃을 수 있는 이야기는 아니지만 그래도 그날의 사건은 지금까지 우리 사이에서 종종 꺼내는 농담이 되었습니다. '후안은 공연이 시작할 때 꼭 무대에 있으리라는 보장이 없다!’ 하고요 (웃음) 하하, 정말 상상만 해도 아찔하네요! 그래도 함께 투어를 다니며 이런 우여곡절을 겪다 보면, 팀워크가 한층 더 끈끈해지는 계기가 되는 것 같습니다. :) Q16. 그리고 같은 해에 솔로 앨범인 <The Many Facets of a Day (2023)>도 발매되었는데요. 이 앨범에서는 당신의 사운드와 감성이 직접적으로 드러나는 작품이 아니었나 싶어요. 이 앨범에서는 어떤 걸 담아내고 싶었는지 궁금합니다. 네, 맞습니다. <The Many Facets of a Day>는 <Initio>와 같은 해에 발매되었지만, 그보다 조금 앞선 2023년 6월에 발표한 앨범인데요. 이 앨범은 말하자면 피아니스트로서 제 자신을 소개하는 일종의 명함 같은 작품이라 할 수 있을 것 같아요. 이 작품 역시 하나의 이야기를 담고 있죠. 하루 중 깨어 있는 열두 시간을 떠올리며, 각각의 시간에 저마다 다른 분위기와 에너지가 깃들어 있다고 상상해 보았습니다. 저는 우리는 살아가면서 모든 것을 하나로 정돈하고, 언제나 일관되고 안정적인 모습을 유지하려는 경향이 있다고 생각했어요. 그러다 보니 하루라는 짧은 시간 안에서도 감정이 끊임없이 변할 수 있다는 사실을 받아들이기 어려워할 때가 있었죠. 아침에는 화가 났다가 슬퍼지기도 하고, 오후에는 기쁨을 느끼고, 저녁에는 한바탕 웃다가도 잠들기 직전에는 다시 조금 우울해질 수 있어요. 저는 그저 하루라는 시간 안에도 한 사람의 인생 전체가 담긴 것처럼 수많은 모습과 감정이 공존할 수 있다는 사실을 보여주고 싶었어요. 동시에 솔로 피아노 연주에서 제가 좋아하는 모든 것을 담아내고 싶었습니다. 스트라이드 피아노부터 낭만적인 분위기의 자작곡, 'Prior Vita'와 같은 미니멀리즘적인 작품까지, 서로 성격이 아주 다른 음악들을 말이죠. 당시 제가 사랑했던 음악이라면 어떤 것이든 자유롭게 앨범에 담아보고 싶었어요. 재미있는 일화를 하나 말씀드리자면, 이 앨범은 2022년 12월에 녹음했어요. 장소는 제게 처음 재즈를 가르쳐 주셨던 알피오 오릴리오(Alfio Origlio) 선생님의 작업실이었죠. 이 앨범을 만든 또 하나의 목적은 피아니스트로서 제가 어떤 음악가인지를 보여주는 것이었습니다. 재즈에는 자신의 음악적 역량과 개성을 보여주는 일종의 '명함' 같은 음반을 만드는 전통이 있는데요. 예를 들어 재즈 피아니스트라면 스트라이드 연주에도 도전해 보는 식이죠. 자신이 익혀온 다양한 음악적 언어와 연주 방식을 보여주는 겁니다. 저 역시 그러한 재즈의 전통에 경의를 표하고 싶었습니다. 그리고 무엇보다 제가 어떤 피아니스트인지, 어떤 음악을 사랑하는 사람인지를 음악 그 자체로 소개하고 싶었어요. Q17. 수록곡 중 'Theme for H. Miyazaki'는 자연스레 미야자키 하야오 감독을 떠올리게 합니다. 이 곡을 작업하게 된 특별한 계기가 있는지, 또 그의 작품 세계 중 어떤 지점이 음악적 영감으로 이어졌는지 궁금합니다. Theme for H.Miyazaki - Mark Priore 맞아요, 이 곡은 온전히 미야자키 하야오(Miyazaki Hayao)에게 바치는 작품인데요. 저는 비교적 늦은 나이인 스물두 살 무렵에 그의 작품 세계를 처음 접했어요. 그리고 바로 그 세계에 완전히 매료되었죠. 그의 그림이 지닌 섬세한 감수성, 그와 함께 작업하는 스튜디오의 애니메이터들이 보여주는 표현력, 그리고 작품 속에 담긴 이야기들까지 모든 것이 제게 깊은 인상을 남겼습니다. 그 이야기들은 지금 보아도 무척 현대적이고, 뚜렷한 메시지를 담고 있어요. 그리고 무엇보다 아름답죠. 어린이다운 순수함과 상상력, 꿈꿀 수 있는 자유, 용기, 그리고 우리가 지켜야 할 소중한 가치들을 이야기하고 있으니까요. 저는 미야자키의 영화들을 보면서 수없이 많은 상상의 여행을 떠날 수 있었습니다. 그리고 히사이시 조(Joe Hisaishi)의 음악 역시 제 마음을 깊이 움직였는데요. 저는 그 작품들이 제게 선사했던 행복과 평화로 가득한 작은 섬 같은 세계에 대한 애정을 음악으로 표현하고 싶었어요. 그곳에서 느꼈던 감정을 이 곡에 담아내려고 노력했죠. 그래서 자연스럽게 히사이시의 음악을 떠올리게 하는 요소들도 곳곳에서 들으실 수 있을 겁니다. 하지만 무엇보다 이 곡을 통해 전하고 싶었던 건 따뜻함과 다정함의 가치가 아닐까 싶어요. 젊음과 어린 시절을 소중히 여기고, 누구나 자유롭게 꿈꾸며 상상하고 새로운 것을 만들어갈 권리가 있다는 믿음을 담았죠. 살아가면서 때로는 어려운 순간을 마주하더라도, 꿈과 상상력을 통해 그 시간을 견디고 결국 이겨낼 수 있다는 희망을 음악으로 전하고 싶었습니다. Q18. 또 하나 인상 깊었던 트랙이 바로 'Colors - For Fred Hersch'인데요. 아까 프레드 허쉬를 향한 남다른 애정을 들려주시기도 했고, 제목에서도 그를 향한 헌정의 마음이 고스란히 느껴집니다. 이 곡을 통해 담아내고 싶었던 그만의 음악적 색채는 무엇이었는지, 또 곡을 쓰실 때 그의 음악 중 어떤 지점에서 가장 큰 영향을 받으셨는지 궁금합니다. Colors - Mark Priore 네, 이 곡은 프레드 허쉬(Fred Hersch)에게 헌정한 작품이에요. 앞서 말씀드렸듯이, 제가 그에게서 가장 먼저 깊은 인상을 받은 것은 바로 피아노의 소리였습니다. 건반을 어루만지듯 연주하면서 지극히 섬세하고 미묘한 소리를 끌어내는 방식이었죠. 물론 그 바탕에는 놀라운 연주 기량과 음악적 역량이 자리하고 있어 가능한 일이라 생각합니다. 제가 이 곡에 담고 싶었던 ‘색채’는 프레드 허쉬만의 독특한 음악적 세계였습니다. 때로는 매우 낭만적이고, 라벨이나 포레를 떠올리게 하는 프랑스 음악 특유의 화성에 아름다운 대위법을 결합하는 방식, 그리고 무엇보다 그 모든 것을 관통하는 서정성이었죠. 프레드 허쉬의 음악에는 아주 자연스러운 서정성이 있다고 생각해요. 자신의 감정을 억지로 드러내거나 청중에게 강요하지 않는데도, 오히려 그렇기 때문에 더욱 강하게 마음에 와닿죠. 그런 그의 음악을 듣다 보면 그 안에 담긴 이야기를 조금이라도 더 이해하고 싶어 자연스럽게 귀를 기울이게 됩니다. 그가 우리를 자신의 음악 속으로 끌어들이려 하는 것이 아니라 오히려 우리가 마법에 이끌리듯 스스로 그의 음악을 향해 다가가게 되는 것이죠. 그게 바로 겸손하면서도 세련되고, 아름다우면서도 섬세한 그의 음악적 표현이 지닌 힘이라고 생각합니다. 제가 이 곡을 통해 담아내고 싶었던 것도 바로 그런 부분이었죠. 이 곡은 동시에 그와 함께했던 레슨, 그리고 그의 곁에서 배울 수 있었던 모든 것에 대한 감사의 표현이기도 합니다. 프레드 허쉬는 자신도 모르는 사이에 제게 피아노의 소리 자체를 사랑하는 마음을 일깨워 준 분이에요. 그와의 만남은 제 연주를 완전히 바꾸어 놓았습니다. 그를 만나기 전까지 저는 연주할 때마다 객석 맨 뒷자리까지 소리가 전달되어야 한다는 생각을 가지고 있었어요. 마이크 없이도 공연장 전체에 소리를 울려야 한다는 클래식 피아노 연주의 전통적인 사고방식에 익숙했던 것이죠. 하지만 프레드 허쉬의 부드러운 터치와 섬세한 표현, 그리고 음악 안에서 자신의 연약하고 여린 모습까지 있는 그대로 받아들이는 태도를 접하면서 제 생각은 달라졌습니다. 저 역시 제 연주 안에서 그런 연약함을 드러내고 받아들일 수 있게 되었죠. 어떤 의미에서는 그러한 섬세함과 연약함을 숨기지 않고 음악으로 표현하는 태도가 바로 제가 <Lux Divina>를 통해 추구하고자 했던 것이 아닐까 싶어요. 그래서 이 곡에서는 당시 제가 가진 음악적 역량 안에서 프레드 허쉬 특유의 작곡 방식과 화성, 대위법을 풀어내는 몇 가지 기법을 빌려와 그에게 경의를 표하고자 했습니다. 그렇군요. 사실 저도 프레드 허쉬를 워낙 좋아해서 이 앨범을 들었을 때 이 트랙이 가장 애정이 갔던 것 같아요 :) Q19. 그런데 같은 해에 트리오와 솔로 정규 앨범을 발매하기란 쉽지 않았을 것 같아요. 작업하는데 어려움은 없었나요? 음 좋은 질문입니다(웃음) 사실 처음부터 계획했던 일은 아니었는데요. 제 솔로 앨범 제작을 도와주셨던 알피오 오릴리오(Alfio Origlio) 선생님이 조금 앞서 앨범 작업을 제안하셨고, 그렇게 2022년 12월에 녹음을 진행하게 되었어요. 당시만 해도 지오바니 미라바시(Giovanni Mirabassi)가 제 음악에 관심을 가지고 앨범 계약까지 제안하리라고는 전혀 상상하지 못했거든요. 그렇게 또 하나의 앨범을 2023년 5월에 녹음하게 되었죠. 결국 저는 서로 다른 두 음악 세계에서, 두 가지 작업을 동시에 진행하게 된 셈입니다. 돌이켜보면 하나의 앨범에 제 모든 것을 쏟아부었다기보다는, 제 안에 존재하는 서로 다른 두 가지 모습을 각각의 앨범에 담아냈다는 생각이 들어요. 한편으로는 솔로 피아노 앨범을 통해 피아니스트로서 저를 세상에 소개하고 싶었고, 다른 한편으로는 트리오를 통해 저만의 독자적인 음악 세계를 보여주고 싶었죠. 물론 두 작업을 병행하는 것이 쉽지만은 않았어요. 하지만 동시에 무척 자연스럽게 느껴지기도 했습니다. 제 마음속에서 두 앨범은 애초에 전혀 다른 의미를 지닌 작업이었기 때문이죠. 당시 작업할 때의 아쉬움이 있다면, 피아니스트로서 제 연주 기량에 아직 부족한 부분이 느껴졌다는 점이에요. 시간이 흐른 뒤 제 연주를 다시 들었을 때 후회하게 되지는 않을까, 당시의 연주가 세월이 지나도 만족스럽게 들릴 수 있을까 하는 두려움이 있었죠. 그런데 실제로는 정반대였습니다. 시간이 흐를수록 오히려 그 시절의 제 모습을 따뜻하고 너그러운 마음으로 바라보게 되었어요. 당시의 부족함까지도 자연스러운 성장 과정의 일부로 받아들이게 된 것이죠. 이제는 제가 걸어온 음악적 여정을 있는 그대로 인정하고 받아들일 수 있게 되었어요. 2023년은 제게 정말 많은 일이 있었던 해였습니다. 두 장의 앨범을 발표하면서 프랑스 재즈계에서도 비교적 빠르게 활동 영역을 넓힐 수 있었는데 그건 사람들에게 들려줄 수 있는 음악과 작품이 이미 준비되어 있었기 때문이죠. 하지만 지금은 조금 다른 방식으로 앨범을 발표하고 싶습니다. 앞으로는 앨범을 좀 더 일정한 간격으로 발표하면서, 각각의 작품에 충분한 시간과 에너지를 쏟고 싶어요. Q20. 이후 <Initio> 앨범으로 프랑스 아카데미 뒤 재즈(Académie du Jazz) 'Prix Évidence' 수상, 빅투아르 뒤 재즈(Victoires du Jazz 2024) 신인상 후보, 샤를 크로 아카데미 선정까지 평단의 뜨거운 찬사를 받으셨는데요. 이 과정들을 직접 지나오신 연주자로서, 이런 시상식과 수상이라는 결과를 어떻게 받아들이고 계시는지, 그리고 이것이 앞으로의 음악적 여정에 어떤 의미로 작용하고 있는지 들려주실 수 있을까요? Mark Priore, Elie Martin-Charrière, Juan Villarroel ©Mark Priore 이런 질문을 해주셔서 감사합니다. 네, 실제로 두 앨범을 발표한 이후 많은 관심과 인정을 받았어요. 처음에는 조금 믿기지 않았죠. 제가 과연 이만큼의 관심을 받을 자격이 있는지, 어쩌면 제게 주어진 평가가 실제보다 조금 과한 것은 아닌지 하는 생각도 들었습니다. 또 무엇보다 마음 한편에는 조금 불편한 감정도 있었습니다. 저를 인정해 주시는 것은 정말 감사한 일이지만, 제 주변에도 저만큼 훌륭한 음악을 하는 동료들이 많았기 때문이죠. 피아니스트뿐 아니라 다양한 악기를 연주하는 음악가들 모두 저마다 놀라운 음악 세계를 가지고 있으니까요. 그래서 한편으로는 조금 부담스럽고 어색하면서도, 다른 한편으로는 무척 기뻤습니다. 하지만 그 모든 감정을 통틀어 가장 크게 느꼈던 것은 역시 감사함이었어요. 그때의 마음을 가장 정확하게 표현하는 단어가 아닐까 싶습니다. 그렇다고 저는 상을 받는 것을 어떤 성취의 완성이라고 생각해 본 적은 없어요. 제가 좋아하는 말이 하나 있습니다. 음악보다는 스포츠에서 자주 쓰이는 격언인데요. “한 번도 이겨본 적 없는 사람처럼 훈련하고, 한 번도 져본 적 없는 사람처럼 경기에 임하라.” 저는 이 말을 음악에도 적용할 수 있다고 생각합니다. 집에서 연습할 때는 여전히 배워야 할 것이 무궁무진한 사람처럼 끊임없이 노력하고, 상이나 영예를 받았을 때는 그것을 더 발전하고 앞으로 나아가라는 격려로 받아들이는 것이죠. 반대로 무대에 오를 때는 제가 하고 싶었던 모든 연습을 이미 충분히 마쳤다는 마음으로 연주하려고 합니다. 그 순간에는 더 잘해야 한다는 부담에서 벗어나, 제가 전할 수 있는 음악을 온전히 전하고, 음악가로서 제가 있어야 할 바로 그 자리에 충실하고 싶은 거예요. 그래서 제게 수상은 무엇보다 앞으로 나아갈 수 있도록 힘을 주는 격려에 가깝지 않나 싶어요. 물론 상을 받는 것은 무척 기쁘고 보람 있는 일입니다. 하지만 그 의미에 지나치게 얽매이고 싶지는 않아요. 수상의 기쁨은 영원히 지속되는 것이 아니고, 상을 받았다고 해서 음악가로서 어떤 최종적인 경지에 도달했다는 뜻도 아니니까요. 저는 상을 특정한 순간에 제 음악이 인정받았다는 의미로 받아들입니다. 그리고 그 순간을 감사함과 기쁨이 담긴 소중한 기억으로 간직하고 싶죠. 무언가를 이루었으니 이제는 조금 쉬어도 되겠다거나, 마침내 목표에 도달했다고 생각하게 만드는 성취로 여기고 싶지는 않습니다. 사실 저는 언젠가 완전히 도달하게 될 어떤 목적지가 있다고 생각하지 않아요. 오히려 언제나 길을 걷고 있는 사람이라고 느껴요. 끊임없이 변화하고, 배우고, 성장하려고 노력하는 사람이죠. 그리고 앞으로도 '이제 다 이루었다'고 느끼는 지점을 굳이 찾고 싶지는 않습니다. 제 삶에서 느끼는 행복은 어딘가에 도착했다는 사실이 아니라, 지금도 계속해서 그 길을 걸어가고 있다는 사실에서 비롯되기 때문이에요. Q21. 앞서도 잠시 말씀해 주셨지만, 지오바니 미라바시(Giovanni Mirabassi)가 이끄는 레이블 'Jazz Eleven'에서 첫 트리오 앨범부터 시작해 여러 앨범 작업을 꾸준히 함께해 오셨잖아요. 그와의 특별한 인연은 처음에 어떻게 시작되었는지 궁금합니다. 네, 맞아요. 곧 발매될 두 번째 트리오 앨범인 <Lux Divina> 역시 재즈 일레븐(Jazz Eleven)과 함께 작업했어요. 지오바니 미라바시(Giovanni Mirabassi)와의 인연은 제가 함께 활동하던 보컬리스트 파미나 베로프(Pamina Beroff)를 통해 시작되었습니다. 당시 지오바니가 그녀의 앨범을 프로듀싱하고 있었거든요. 물론 그전부터 지오바니에 대해서는 잘 알고 있었습니다. 세계적으로 명성이 높은 피아니스트니까요. 그의 음악도 여러 차례 들어봤는데, 제 마음을 정말 깊이 움직였습니다. '감동'이라는 말이 당시의 느낌을 가장 정확하게 표현하는 것 같습니다. 그의 연주에는 제 음악적 감성과 맞닿아 있다고 느끼는 부분이 많았죠. 이후 스튜디오와 무대에서 몇 차례 마주치며 자연스럽게 인연을 이어갔습니다. 그러던 어느 날 지오바니가 제게 이런 제안을 했습니다. "자네만의 음악 프로젝트를 본격적으로 펼쳐볼 생각은 없나?”하고요. 그렇게 모든 것이 시작되었습니다. 그리고 그 만남은 제게 정말 아름답고 소중한 음악적 여정의 출발점이 되었죠. 지오바니는 단순히 재즈 일레븐의 프로듀서에 머물지 않았어요. 제게는 멘토이자, 무엇보다 믿고 의지할 수 있는 소중한 예술감독이 되어주었죠. 그는 제 음악 활동을 아낌없이 지원하고, 중요한 순간마다 곁에서 함께해 주었습니다. 특히 제가 재즈계에서 더 많은 기회를 얻고 활동 영역을 넓혀갈 수 있도록 적극적으로 힘써주었죠. 지금 제가 음악가로서 많은 사람에게 알려지고 주목받을 수 있게 된 데에도 지오바니의 역할이 무척 컸습니다. 그래서 제가 음악가로서 많은 사람들에게 알려질 수 있었던 것은 상당 부분 지오바니 덕분이라 생각합니다. Q22. 앨범을 준비할 당시에 연주자이면서 동시에 음악을 바라보는 프로듀서적 시선을 가진 그와의 작업은 어땠는지 궁금합니다. 그의 음악적 조언이나 영향이 당신의 연주 및 작곡에 어떤 영향을 주었는지 말씀해주세요. 지오바니와 함께 작업하는 것은 정말 특별한 경험이었어요. 우선 그는 음악가로서 무척 풍부한 경험과 자신만의 독창적인 음악 세계를 지닌 분이잖아요. 음악을 바라보는 고유한 시각과 깊이 있는 전문성도 갖추고 있죠. 그가 오랜 세월 쌓아온 이러한 경험과 통찰은 그의 말 한마디 한마디에 자연스럽게 배어 있어요. 동시에 그는 최근 몇 년간 프로듀서로도 활동하면서 오늘날 음악계가 어떻게 돌아가는지, 그 안에 얼마나 복잡한 문제와 행정적인 절차들이 얽혀 있는지를 누구보다 잘 이해하고 있죠. 앨범을 구상하는 단계부터 실제 제작에 이르기까지, 모든 과정을 아우르는 폭넓은 시야를 가지고 있기 때문에 그가 <Initio>에 이어 <Lux Divina>의 예술감독을 맡게 된 것은 무척 자연스러운 일이었습니다. 그의 조언과 관련해 특히 인상적이었던 것은 말을 아끼는 태도였어요. 지오바니는 예술감독으로서 많은 말을 하지 않았죠. 하지만 꼭 필요한 순간에, 꼭 필요한 말을, 가장 적절한 방식으로 건네곤 했어요. 저는 그런 그의 섬세하고 절제된 조언 방식이 무척 인상적이었습니다. <Initio>를 작업할 당시 저는 지오바니의 음악으로부터 많은 영향을 받고 있었어요. 실제로 앨범에 수록된 몇몇 곡에도 그의 음악적 영향이 담겨 있죠. 그런 곡들을 지오바니가 녹음실의 컨트롤룸에서 듣고 있는 가운데 연주한다는 것은 제게 무척 특별한 경험이었습니다. 하지만 무엇보다 중요한 것은 그가 음악을 듣는 방식 자체가 연주자에게 자신감을 심어준다는 점이에요. <Lux Divina>는 여러 면에서 독특한 앨범이고, 과감한 음악적 선택도 많이 담겨 있습니다. 그런데도 지오바니는 언제나 제 선택을 지지하고 격려해 주었어요. 그리고 늘 한 걸음 더 나아갈 수 있도록 용기를 북돋아 주었죠. 녹음실에서 경험했던 마법 같은 순간들도 상당 부분 지오바니 덕분이었다고 생각합니다. 그는 모든 연주자가 편안함을 느끼고, 서로를 신뢰하며, 심리적으로 안정된 환경에서 연주할 수 있도록 세심하게 배려했죠. 덕분에 우리는 다른 걱정 없이 오롯이 음악에만 집중할 수 있었습니다. 그런 의미에서 지오바니는 제게 여러 방면으로 정말 큰 영향을 준 사람이라 할 수 있을 것 같아요. 프랑스에서 피아니스트로서 경력을 쌓아가는 과정은 물론, 음악 산업의 구조와 실무적인 부분을 이해하는 데에도 많은 도움을 주었죠. 그리고 무엇보다 음악가로서 성장하고 저만의 예술 세계를 발전시키는 데 큰 힘이 되어주었습니다. Q23. 아직 공식적인 연주 협업은 없지만, 만약 기회가 주어진다면 지오바니 미라바시(Giovanni Mirabassi)와는 어떤 형태의 음악적 대화를 해보고 싶으신가요? 맞아요. 아직 지오바니와 함께 무대에 오른 적은 없지만, 그런 기회에 대해 가볍게 이야기를 나눈 적은 있어요. 언젠가 함께 연주할 수 있다면 정말 기쁠 것 같아요. 아마 그런 기회가 있다면 두 대의 피아노가 함께하는 듀오 공연이 되지 않을까 싶습니다. 저희 둘 다 재즈와 스탠더드 곡들을 무척 사랑하고, 연주자들이 서로의 음악에 귀 기울이며 호흡을 주고받는 것을 중요하게 생각하니까요. 언젠가 지오바니와 두 대의 피아노로 함께 연주할 수 있다면 정말 행복할 것 같아요. 특히 해외 투어에서 그런 무대를 선보일 수 있다면 더욱 좋겠죠. 한국에서 공연하는 것도 멋지지 않을까요!? (웃음) 제게는 언젠가 꼭 이루고 싶은 작은 꿈 중 하나입니다. Q24. 그렇다면 이외에도 요즘 함께 작업을 해보고 싶다거나 눈여겨 보고 있는 뮤지션이 있을까요? 그럼요! 물론 있습니다. 정말 많아요! 먼저 제 꿈 중 하나는 언젠가 프레드 허쉬(Fred Hersch)와 두 대의 피아노로 함께 연주하는 것이에요. 또 요즘 제게 가장 큰 영향을 주는 음악가 중 한 명은 다페르 유세프(Dhafer Youssef)입니다. 그와 함께 무대에 서고, 그의 곁에서 연주하며 배웠던 경험은 제게 깊은 인상을 남겼죠. <Lux Divina> 역시 그의 영향을 상당히 많이 받은 작품이라고 생각합니다. 또 언젠가는 브라이언 블레이드(Brian Blade)와도 꼭 함께 연주해 보고 싶어요. 제게는 영웅과도 같은 음악가이고, 그의 연주를 정말 열렬히 좋아하거든요. 그리고 알토 색소폰 연주자인 마이런 월든(Myron Walden)도 무척 좋아합니다. 그의 음악에도 완전히 매료되어 있죠. 또 조 샌더스(Joe Sanders)와 함께 연주하는 것도 꿈입니다. 지금 말씀드리는 분들은 정말 제가 꿈꾸는 최고의 음악가들이에요! 아 그리고 세실 맥로린 살방(Cécile McLorin Salvant)의 반주를 맡아보고 싶은 마음도 큽니다. 그녀와 그녀의 음악을 진심으로 존경하고 있거든요. 사실 함께 연주하고 싶은 음악가는 너무나 많습니다. 저는 지금도 수많은 아티스트에게 영향을 받고 있거든요. 마이카 토머스(Micah Thomas), 설리번 포트너(Sullivan Fortner), 퀘쿠 섬브리(Kweku Sumbry), 이매뉴얼 윌킨스(Immanuel Wilkins) 같은 음악가들이 대표적이죠. 저는 이들이 만들어가고 있는 재즈 신의 음악적 흐름에 깊이 매료되어 있어요. 그리고 프랑스에도 제가 정말 뛰어나다고 생각하는 음악가들이 많습니다. 노에 위샤르(Noé Huchard)를 비롯해, 아직 무척 어리지만 빠르게 성장하며 아름다운 음악을 만들어가고 있는 나탕 몰레(Nathan Mollet), 레비 하비(Levi Harvey), 그리고 제가 정말 좋아하는 와즈디 리아히(Wajdi Riahi)가 있죠. 샤를로트 플랑슈(Charlotte Planchou)와 셀리아 카메니(Célia Kameni)처럼 실제로 함께 연주하고 있는 음악가들도 무척 좋아합니다. 하지만 최근 제게 가장 큰 영감을 주는 음악가 중 한 명을 꼽으라면, 피아니스트 지그몬드 게를로치(Zsigmond Gerloczy)를 이야기하고 싶어요. 그의 음악에는 제가 사랑하는 요소들이 놀라울 만큼 자연스럽게 어우러져 있거든요. 바로크 음악의 섬세한 색채와 순간적으로 피어올랐다 사라지는 듯한 창의성을 가졌고, 제가 음악에서 추구하는 감성과 정확히 맞닿아 있는 피아니스트라고 생각합니다. 지금까지 꽤 많은 질문을 드렸는데요. 아주 잠깐이라도 당신의 음악 외의 삶에 대해 이야기 나눠보고 싶어요. 네, 좋습니다 :) Mark Priore ©Mark Priore Q25. 음반 작업과 투어 등으로 늘 음악 안에서 분주한 일상을 보내고 계신데요. 하루 중 음악에 가장 깊이 몰입하게 되는, 혹은 영감이 가장 잘 떠오르는 시간대는 언제인가요? 아무래도 제가 하는 일의 특성상 규칙적인 생활이나 일정한 일과를 유지하기는 쉽지 않아요. 어떤 날은 비행기를 타기 위해 새벽 5시에 일어나야 하고, 또 어떤 때는 일주일 내내 집에 머물기도 하니까요. 하지만 이렇게 매일 다른 일상을 보내면서도, 제가 가장 자유롭고 영감을 많이 받는 시간은 바로 아침이 아닐까 싶어요. 보통 집에 있는 날이면 일어나서 차 한 잔을 준비한 뒤 피아노 앞에 앉죠. 한 시간 정도 그렇게 시간을 보내곤 해요. 그때는 특별한 계획을 세우기보다 마음속에서 자연스럽게 흘러나오는 음악을 그대로 표현하려고 하는 것 같아요. 이것저것 시도하고, 새로운 가능성을 탐색하고, 때로는 스스로를 조금 더 밀어붙이기도 하죠. 그러다 새로운 아이디어를 발견하기도 하고, 자연스럽게 연습으로 이어지기도 합니다. 저는 주로 아침에 눈을 떴을 때 가장 창의적인 영감을 많이 얻는 것 같아요. 어떤 날에는 가볍게 운동을 하고 돌아와 다시 피아노 앞에 앉기도 하고요. 물론 피아노를 정말 사랑하지만, 음악 외에도 창의성을 발휘할 수 있는 다양한 활동을 좋아합니다. 보드게임을 즐기고, 시를 쓰고, 손으로 무언가를 만드는 일도 좋아하죠. 특히 가구를 만드는 것을 좋아합니다. 나무를 사랑하는 집안에서 자랐기 때문에 목공은 제게 무척 친숙한 일이거든요. 또 고양이들을 돌보는 시간도 소중하게 생각합니다. 이런 순간들이야말로 제가 온전히 자유롭다고 느끼는 시간이 아닐까 싶어요. 하지만 하루가 조금만 지나도 금세 여러 가지 일에 쫓기게 되곤 하죠. 처리해야 할 행정 업무도 있고, 답장해야 할 메시지도 쌓여 있고, 또 기차를 타러 서둘러 나가야 할 때도 있어요. 그렇지만 아침만큼은 대체로 마음이 한결 평온합니다. 또 저는 원래 잠을 잘 이루지 못하는 편이기도 해서, 요즘은 점점 더 일찍 일어나고 있습니다. 그렇게 맞이하는 아침 시간을 아무것도 그려지지 않은 깨끗한 캔버스처럼 받아들이는 것이 제게는 큰 위안이 되곤 해요. 그날 제 몸이 어떤 방식으로 반응하는지, 마음속 감정들이 어떻게 자연스럽게 모습을 드러내는지 가만히 살펴보는 것이죠. 제게 하루하루는 새로운 가능성을 발견하는 시간이 아닐까 싶어요. 우리가 인간으로서, 또 살아 있는 존재로서 어떻게 서로 가까워지고, 소통하며, 진정으로 마음을 나눌 수 있을지 생각해 보는 새로운 기회이기도 하죠. 저는 이런 고민을 자주 합니다. 어떻게 하면 창의성을 이끌어낼 수 있을지, 어떤 새로운 방법과 재료를 통해 그것을 표현할 수 있을지 끊임없이 탐색하죠. 그리고 가능하다면 그렇게 발견한 창의적인 순간들을 다른 사람들과 함께 나누고 싶어요. Q26. 바쁜 음악 작업 사이에서도 하루의 리듬을 유지하는 당신만의 방식이 있을까요? 네, 저만의 생활 습관이 몇 가지 있어요. 투어를 떠날 때면 항상 줄넘기를 챙깁니다. 요리하는 것도 무척 좋아해서 가능하면 직접 음식을 만들어 먹으려고 하죠. 제가 무엇을 먹고, 어떤 음식이 제 몸에 들어오는지 스스로 살피는 방법이기도 하고, 제 몸과 더 깊은 관계를 맺어가는 과정이기도 하기 때문이에요. 또 가능한 한 일찍 잠자리에 들려고 노력합니다. 예전의 저는 아마 세상에서 가장 늦게 잠드는 사람 중 하나였을 겁니다. 그만큼 수면의 중요성을 오랫동안 소홀히 했던 것 같아요. 하지만 잠을 충분히 자고 수면 습관을 개선하려고 노력하면서부터는 에너지도 더 많아지고, 창의적인 영감도 풍부해졌어요. 무엇보다 일상에서 느끼는 기쁨도 커졌죠. 물론 투어 중에는 쉽지 않습니다. 공연 일정도 불규칙하고, 시차 때문에 생활 리듬이 계속 흐트러지니까요. 결국 제 생활 습관의 핵심은 제 몸을 잘 돌보고, 몸이 보내는 작은 신호에도 귀를 기울이는 것이라고 할 수 있어요. 예전과 비교해 가장 크게 달라진 부분도 바로 이것이고요. 예를 들어 기차를 탈 때도 몸의 긴장을 풀어줄 수 있는 움직임을 찾으려고 합니다. 제가 키가 큰 편이라 기차에 오래 앉아 있으면 자세가 불편해지고 몸에 무리가 가는 경우가 많거든요. 결국 중요한 것은 끊임없이 움직이는 것이라고 생각합니다. 신체적으로도, 정신적으로도, 감정적으로도, 그리고 제가 진행하는 여러 프로젝트에서도 늘 새로운 움직임을 만들어가고 싶어요. 멈추지 않고 계속 움직이는 것. 그것이 제 삶에서 중요하게 생각하는 태도 아닐까 싶습니다. Q27. 요즘 들어 더 소중하게 느껴지는 ‘일상적인 순간’이 있다면 무엇인가요? 요즘은 일상 속에서 정말 많은 기쁨을 누리고 있어요. 고양이들과 함께 보내는 시간도 좋지만, 무엇보다 제 인생에서 가장 사랑하는 사람과 함께하는 시간이 정말 소중한 것 같아요. 저희는 서로를 만날 수 있었다는 사실에 깊이 감사하고 있죠. 지금은 함께 살고 있는데, 둘이 나누는 평범한 순간들조차 말로 표현하기 어려울 만큼 큰 기쁨을 줍니다. 개인적으로는 카페 테라스에 앉아 책을 읽는 것도 무척 좋아해요. 주변의 소음 때문에 금방 피곤해져서 오래 읽지는 못하지만, 그래도 그런 시간이 제게는 큰 위안이 됩니다. 그리고 제게 가장 큰 활력을 주는 것은 아마 자연 속을 걷는 일일 겁니다. 하이킹을 하거나 산책을 하고, 바다를 아주 오랫동안 바라보는 것을 좋아하죠. 조금 쌀쌀한 날씨를 느끼는 것도 좋아하고요. 몸이 약간 추울 정도의 서늘함이 오히려 제게는 기분 좋게 느껴지거든요.차를 마시는 것도 빼놓을 수 없습니다. 정말 많이 마셔요. 물론 시간이 허락할 때 친구들을 만나는 것도 좋아합니다. 모두 지극히 평범한 일들이지만, 제게는 무엇과도 바꿀 수 없을 만큼 소중한 순간들이 아닐까 싶어요. 그리고 시간이 흐를수록 이런 순간들이 더욱 귀하게 느껴집니다. 우리가 살아가는 세상은 점점 균형을 잃어가고 있고, 갈수록 극단적이고 폭력적인 모습으로 변해가고 있기 때문이죠. 세상은 끊임없이 변화하고 있습니다. 오랫동안 해결되지 않은 문제들이 쌓여온 탓에 곳곳에서 갈등이 일어나고, 서로 다른 힘과 가치관이 충돌하고 있죠. 물론 그 원인은 무척 다양합니다. 하지만 이렇게 격렬하고 복잡하며, 불안과 불공정함이 가득한 세상에서 살아갈수록 우리는 마음이 충만해지는 순간과 순수한 기쁨의 가치를 더욱 깊이 느끼게 됩니다. 아주 짧은 순간이라도 말이죠. 어쩌면 짧기 때문에 더욱 소중하게 느껴지는 것인지도 모르겠어요. 저는 그런 순간들이 우리에게 주어진 선물이라고 생각합니다. 그리고 매일같이 그 순간들을 누릴 수 있다는 사실이 얼마나 큰 행운이자 특권인지를 새삼 깨닫곤 해요. 그래서 저는 하루하루를 살아가면서 제가 할 수 있는 범위 안에서 누군가에게 도움이 되고 싶다는 마음을 가지고 있어요. 도움이 필요한 사람들, 누군가의 관심과 보살핌이 필요한 사람들, 혹은 잠시라도 평소와는 다른 경험을 통해 일상에서 벗어나고 싶은 사람들에게 작은 힘이 되어주고 싶습니다. 음악 역시 그 방법 중 하나가 아닐까 싶습니다. 물론 음악이 언제나 누군가에게 실질적인 도움이 되는 것은 아니라는 사실도 잘 알고 있어요. 하지만 제가 가진 능력과 제가 서 있는 자리에서 다른 사람들에게 전할 수 있는 것이 바로 음악이라고 생각합니다. 그리고 나이가 들수록, 일상 속에서 마주하는 이 작고 소박한 기쁨들이 제게는 점점 더 마법처럼 느껴지는 것 같아요. Mark Priore ©Mark Priore 네, 이제 점점 인터뷰가 끝나가고 있는데요. 이번에는 기획 인터뷰의 공식 질문과 팬들이 보내온 세 가지 질문을 드려보도록 하겠습니다 :) I 공식 질문 Q28. 당신이 애정하는 프랑스 예술가 또는 작품이 있다면 공유해주세요! 장르에 상관없이 자유롭게 말씀해주세요! 물론이죠! 저는 장르를 가리지 않고 정말 다양한 음악과 예술에 관심을 가지고 있어요! 먼저 바로크 음악에서는 제가 무척 사랑하는 작품이 하나 있습니다. 바로 바로크 현악 사중주단 방시(Banxhies)의 <48 degrés nord>입니다. 정말 훌륭한 앙상블이라고 생각해요. 앞서 말씀드렸듯이 셀리아 카메니(Célia Kameni)의 음악도 무척 좋아합니다. 아랍 음악을 기반으로 한 프로그레시브 록 밴드 사라브(Sarāb)도 좋아하는데, 특히 보컬리스트 클리멘 자르칸(Climène Zarkan)의 음악적 표현에 깊이 매료되어 있죠. 또 피아니스트 알렉상드르 칸토로프(Alexandre Kantorow)의 연주도 정말 사랑합니다. 그의 음악은 그저 아름답다는 말밖에 나오지 않을 정도예요. 음..그리고 노벰버 울트라(November Ultra)의 음악도 즐겨 듣습니다. 또 피아니스트 바티스트 바이(Baptiste Bailly)가 첼리스트 리나 벨라이드(Lina Belaïd)와 함께하는 프로젝트도 무척 아름답다고 생각합니다. 피에르 테레졸(Pierre Terreygeol)의 음악 역시 좋아하고요. 음악 외의 분야에도 관심이 많습니다. 미술에서는 나이브 아트(Naïve Art), 즉 소박하고 순수한 표현이 특징인 회화 양식의 화가 앙드레 보샹(André Bauchant)을 무척 좋아해요. 그리고 영화 중에서는 최근에 본 애니메이션 <Arco>가 특히 인상 깊었는데요. 정말 아름답고, 놀라울 만큼 뛰어난 작품이라고 생각합니다. 음악과 미술 작품까지 아낌없이 추천해 주셔서 정말 감사합니다! 이번 인터뷰를 접하시는 분들께도 귀와 눈이 모두 즐거워지는 아주 특별한 예술 선물이 되겠네요 :) Q29. 아직 한국에서 공연한 적은 없지만, 한국 재즈 씬이나 음악 문화에 대해 인상 깊게 느낀 점이 있다면 무엇이 있나요? 이 질문을 해주시니 반갑네요. 사실 저희 트리오가 한국을 방문해 공연하는 아주 멋진 계획을 가지고 있거든요. 빠르면 2027년에 한국에서 연주할 수 있을지도 모릅니다! 저도 정말 기대하고 있습니다. 솔직히 말씀드리면 아직 한국 재즈 신에 대해서는 아는 것이 많지 않습니다. 하지만 최근 들어 한국 음악가들이 세계 무대에서 놀라운 활동을 펼치는 모습을 점점 더 자주 접하고 있어요. 그래서 한국의 재즈 신을 직접 경험하고 알아갈 날이 무척 기다려집니다. 오래전부터 알고 지내며 존경해 온 한국 음악가로는 두 분이 있습니다. 바로 보컬리스트 나윤선(Youn Sun Nah)과 훌륭한 드러머 김종국(Jongkuk Kim)입니다. 또 2024년 프랑스 라데팡스 전국 재즈 콩쿠르(Concours National de Jazz de La Défense)에서 최우수 기악 연주자상을 받은 재즈 바이올리니스트 손모은(Son Moeun)도 있죠. 이전에는 잘 몰랐던 음악가였는데, 수상 이후 그녀의 음악을 찾아 듣게 되었고 무척 마음에 들었어요. 그리고 이름은 들어봤지만 아직 음악을 충분히 접해보지 못한 아티스트로는 서수진(Soojin Suh)이 있습니다. 다시 한번 말씀드리지만, 한국의 음악가들을 직접 만나고 한국 재즈 신의 다양한 음악을 발견할 수 있기를 진심으로 기대하고 있습니다. I 팬들의 질문 Q30. 창작을 할 때 특정 도시나 공간이 중요한 영향을 주는 편인가요? 네, 유독 제게 큰 영향을 주고 깊은 인상을 남긴 장소들이 몇몇 있어요. 가장 먼저 떠오르는 곳은 시베리아의 바이칼호(Lake Baikal)입니다. 음악 경연대회에 참가하기 위해 방문했던 곳이죠. 그곳에서 만난 사람들과는 무척 깊은 인연을 맺었는데요. 지금도 당시의 특별했던 분위기를 자주 떠올리곤 해요. 사람들의 따뜻한 친절함과 평온함, 차분하고 절제된 분위기, 그리고 그곳이 지닌 품위와 신비로움까지 모든 것이 인상적이었습니다. 바이칼호는 정말 거대한 호수예요. 겨울이면 호수 전체가 1미터, 어쩌면 그보다 더 두꺼운 얼음으로 뒤덮이죠. 직접 마주하면 그 광경이 주는 압도적인 느낌을 잊기 어렵습니다. 칠레도 정말 좋아했던 곳입니다. 콘셉시온(Concepción)과 산티아고(Santiago), 그리고 특히 제게 강렬한 인상을 남긴 도시인 발파라이소(Valparaíso)가 기억에 남습니다. 그곳에서 사람들을 만나고 거리를 걸으며, 도시 곳곳에 넘쳐나는 예술적 에너지와 창조적인 활력을 느꼈던 경험은 정말 아름다웠어요. 그리고 물론 제가 세상에서 가장 사랑하는 장소 중 하나는 시칠리아(Sicily)입니다. 그중에서도 특히 팔레르모(Palermo)를 좋아합니다. 그곳에서는 마법처럼 특별한 이야기와 순간들을 경험했거든요. 제게 가장 큰 영감을 주는 것은 결국 그런 것들입니다. 사람들의 따뜻하고 넉넉한 마음, 맛있는 음식을 함께 나누는 즐거움, 바다 곁에서 보내는 시간, 그리고 풍부한 문화와 다채로운 삶의 모습이 어우러진 환경 말이죠. 시칠리아는 문화적으로 무척 풍요로운 곳입니다. 다양한 문화가 공존하고, 도시에는 생동감이 넘치며, 곳곳에 놀라운 이야기들이 깃들어 있죠. 그래서 전 시칠리아가 지닌 그 모든 매력에 깊이 빠진게 아닌가 싶습니다. Q31. 당신이 요즘 자주 듣고 있는 플레이리스트를 공유해주세요! 요즘 가장 자주 듣는 앨범은 주앙 지우베르투(João Gilberto)의 <Amoroso>인데요. 정말 반복해서 듣고 있어요. 또 상송 프랑수아(Samson François)가 연주한 작품들도 많이 들어요. 베토벤이나 쇼팽의 작품들이죠. (전 정말로 상송 프랑수아의 열렬한 팬입니다)그리고 레드 갈런드(Red Garland)의 연주도 무척 좋아해서 늘 반복해서 듣곤 합니다. 또 엘리자베트 자케 드 라 게르(Élisabeth Jacquet de La Guerre)의 음악도 정말 사랑하죠. 그녀의 작품들도 자주 찾아 듣고 있어요. 또 곤살로 루발카바(Gonzalo Rubalcaba)의 앨범 <Faith> 역시 요즘 계속해서 듣고 있는 작품이고, 마리아 주앙 피르스(Maria João Pires)가 연주한 쇼팽의 <Nocturnes>도 상당히 자주 듣고 있고요. 그리고 최근 저를 완전히 매료시킨 음악이 하나 더 있어요. 바로 불가리아 국립 라디오·텔레비전 합창단이 부른 불가리아 민요를 담은 앨범 <Bulgarian Folklore Masterpieces>인데요. 크라시미르 큐르크치이스키(Krasimir Kyurkchiyski)가 편곡한 작품들이 수록되어 있어요. 그중에서도 특히 'Kalimankou Denkou'라는 곡을 정말 좋아해요. 지금까지 몇 번이나 반복해서 들었는지 셀 수 없을 정도예요. 그리고 저는 라벨의 음악으로도 자주 돌아가곤 합니다. 특히 'Daphnis et Chloé'를 무척 사랑합니다. 몇 번을 다시 들어도 여전히 저를 아주 먼 상상의 세계로 데려다주는 작품이죠. 마지막으로 메시앙(Olivier Messiaen)의 'O sacrum convivium)' 역시 제가 즐겨 듣는 작품입니다. Q32. 당신의 연주를 직접 보고 싶은데요. 한국이나 아시아에 방문할 계획이 있나요? 네, 한국에 꼭 가고 싶어요. 아시아의 다른 나라들도 마찬가지고요! 아마 2027년 가을쯤 한국을 방문하게 될 것 같습니다. 정말 무척 기대하고 있어요. 구체적인 일정이 정해지는 대로 더 많은 이야기를 들려드릴게요. 한국에 정말, 정말 가고 싶어요. 내년에 꼭 이루고 싶은 꿈 중 하나입니다! 그리고 중국 투어에 대한 제안도 있었지만, 아직 구체적으로 성사되지는 않았고요. 일본에서도 공연하고 싶어요. 그것 역시 제 꿈 중 하나입니다. 그렇게 된다면 정말, 정말 큰 기쁨일 것 같습니다. 네, 진짜로 한국에서 연주를 볼 수 있다면 좋을 것 같습니다. 이제 마지막으로 앞으로의 계획과 구독자에게 한 마디 말씀 부탁드리겠습니다. Q33. 앞으로 2026년 올해 연말의 계획을 공유해 주세요. 네, 우선 가까운 일정으로는 11월 6일에 <Lux Divina>가 발매되고, 11월 12일에는 파리의 르 발 블로메(Le Bal Blomet)에서 앨범 발매 기념 콘서트가 열립니다. 그 이후에는 트리오와 함께 새 앨범을 소개하는 투어에 나설 예정입니다. 정말 손꼽아 기다리고 있어요. 아직은 조금 비밀스러운 프로젝트들도 몇 가지 있는데, 특별히 먼저 공개해 드릴게요! 첫 번째는 새로운 솔로 피아노 앨범입니다. 이 앨범에서는 제가 직접 편곡한 재즈 스탠더드 곡들을 노래도 해볼 생각이에요. 개인적으로 무척 애착을 갖고 있는 프로젝트입니다. 아직 구체적인 일정은 정해지지 않았지만, 반드시 실현할 생각이에요. 또 제가 깊이 존경하는 폴 엘뤼아르(Paul Éluard) 같은 시인들의 작품에 곡을 붙여 노래해 보고 싶습니다. 또 하나 정말 기대하고 있는 프로젝트는 첼로, 보컬, 기타가 함께하는 콰르텟입니다. 바로크 음악과 재즈, 플라멩코에 가까운 스페인계 음악, 그리고 아랍 음악까지 결합하려고 해요. 일종의 실내악이라고 할 수 있겠죠. 저에게는 무척 중요한 프로젝트이고, 본격적으로 작업을 시작할 날이 정말 기다려집니다. Q34. 마지막으로 ARTLET 구독자에게 한마디 부탁드립니다! 진심으로 이번 인터뷰에 감사드립니다. 그리고 아리 님께도 감사의 말씀을 전하고 싶어요. 이렇게 다양한 질문을 함께 깊이 있게 이야기할 수 있어서 정말 기뻤고, 저에게 보내주신 관심과 애정에도 진심으로 감사드립니다. 한국의 팬 여러분께도 꼭 감사하다는 말씀을 드리고 싶습니다. 좋은 질문들을 보내주셔서 정말 감사합니다! 여러분을 직접 만나 함께 시간을 보낼 날이 무척 기다려집니다. 어쩌면 내년이면 그 꿈이 이루어질지도 모르겠네요. 아트렛(ARTLET) 만세! (웃음) 이렇게 멋진 자리를 마련해 주셔서 다시 한번 진심으로 감사드립니다 마지막까지 유쾌하고 따뜻한 말씀 진심으로 감사드립니다! 아트렛 만세라니, 저도 덩달아 힘이 나네요. (웃음) 내년에는 화면 너머가 아니라 한국 무대에서 직접 마주할 수 있기를 한국의 모든 팬들과 함께 손꼽아 기다리고 있겠습니다. 새 앨범 <LUX DIVINA>와 함께 이어질 앞으로의 여정도 늘 힘차게 응원하겠습니다. 오늘 함께해 주셔서 정말 감사합니다! 아트렛 X 주한 프랑스대사관 문화과 🇰🇷🇫🇷한불 140주년 기념 인터뷰📣 <2026 ARTLET Interview Series>”Behind the Jazz: French Voices“ 🔹 한불 수교 140주년을 기념하여 이번 아트렛 인터뷰 시리즈는 주한 프랑스대사관 문화과와의 특별한 협업으로 진행됩니다. 🔹대중에게 잘 알려 진 프랑스 재즈를 상징하는 뮤지션부터 촉망받는 신진 뮤지션까지! 🔹프랑스 재즈뮤지션들의 삶과 음악을 깊이있게 재조명해 봅니다.✨ - Artlet X Service culturel de l’Ambassade de France en République de Corée 🇰🇷🇫🇷Interview commémorative du 140e anniversaire des relations franco-coréennes 📣 <2026 ARTLET Interview Series>“Behind the Jazz: French Voices” 🔹À l’occasion du 140e anniversaire des relations diplomatiques entre la France et la Corée, cette série d’interviews Artlet est menée dans le cadre d’une collaboration spéciale avec le Service culturel de l’Ambassade de France en République de Corée. 🔹Des musiciens emblématiques du jazz français, déjà bien connus du public,aux jeunes talents les plus prometteurs, cette série propose un regard approfondi sur la vie et la musique des artistes de jazz français.✨